Er ist wieder da

***

recensie  Er ist wieder da

Een klucht van nazistische proporties

door Damian Uphoff

De Duitse regisseur David Wnendt zette zich met zijn twee eerste speelfilms, het controversiële drama Kriegerin en de komedie Feuchtgebiete, direct in de schijnwerpers. Met zijn excentrieke Hitler-satire scoort hij in zijn thuisland een gigantische hit. Duitsers blinken doorgaans niet uit in een geweldig gevoel voor humor, maar Er is wieder da mag daar gerust een uitzondering op heten.

Adolf Hitler – een man die geen nadere uitleg behoeft – wordt op een dag wakker op de plek waar vroeger zijn beruchte bunker stond. Van het hoe, wat en waarom heeft hij geen enkele notie, en ook de kijker blijft erover in het ongewisse. Zijn plotselinge terugkeer zorgt voor veel consternatie in het land; men denkt dat hij een Hitler-imitator is. Hij trekt er op uit om het in zijn ogen zwaar gedegenereerde Duitse volk weer op de been te brengen, alleen gezien hij nog een aantal jaartjes achterloopt, gaat dat natuurlijk niet bepaald van een leien dakje.

Recensie Er ist wieder da

One-man-show
Nochtans lukt het Hitler – de geschiedenis herhaalt zich – om het volk bij de kladden te vatten. Hij duikt, na ontdekt te zijn door de onlangs ontslagen filmmaker Sawatzki, op in allerhande tv-shows, waarna hij al snel tot een grote publiekslieveling uitgroeit. Niet louter vanwege zijn geweldig accurate Hitler-‘imitatie’, maar ook omdat het Duitse volk vindt dat hij een aantal valide punten over de huidige situatie in Duitsland heeft. U kunt het al ruiken: dat wordt stront aan de knikker.

Het zal vast geen eenvoudig karwei geweest zijn: een geschikte acteur vinden die Hitler adequaat kan vertolken. Maar met Oliver Masucci heeft Wnendt een echte troef in handen. Zijn kop is misschien net wat te robuust om als een echte Hitler-lookalike door te gaan, maar met zijn mimiek, zijn maniertjes en zijn bij vlagen hilarische spel compenseert hij dat ruimschoots. Een knappe performance, helemaal met de wetenschap dat we met een relatief onbekend acteur te maken hebben.

De Führer als komiek
Er ist wieder da  is in eerste instantie bedoeld als een komische film. Gedurfd is het wel, de notoire Adolf Hitler als ‘clown’. De gelijknamige satirische roman van Timur Vermes, die ook al het nodige stof deed opwaaien, bemachtigde de eerste plek op de bestsellerlijst van Der Spiegel, dus de lat lag hoog.

Hoewel deze verfilming, logischerwijs, niet bij iedereen in even goede aarde valt, heeft hij tot dusver niet veel last van boycotgekkies en andere protestacties. Er ist wieder da  is – hoewel het weinig scrupules kent – qua humor dan ook niet ál te plat. Wnendt weet een aantal vervaarlijke valkuilen (makkelijke Jodengrapjes, voor de hand liggende humor) te ontwijken en komt geregeld zelfs best scherp uit de hoek. De verwijzing naar Der Untergang is daar een uitgelezen voorbeeld van, evenals het moment waarop de schijn gewekt wordt dat de film afgelopen is, terwijl er nog een flink stuk volgt.

Recensie Er ist wieder da

Scripttrucjes
Gaandeweg lijkt het humoristische karakter wat te verwateren, maar telkens wanneer je denkt dat de boel inzakt, komt Wnendt met een nieuwe komische uithaal. Later komen er zelfs wat ludieke scripttrucjes bij, zoals het film-in-film principe: je ziet hoe de personages bezig zijn met het maken van de film. Zoiets heeft een grappig, speels effect.

De eindscène is wat serieuzer van toon, wat een beetje detoneert met het komische karakter van voorheen. Typisch dat de regisseur het nodig vindt om wat oude archiefbeelden van stal te halen, om nog even snel een soort obligaat maatschappijkritisch randje mee te geven. Maar erg veel doet het niet af aan dit komische schouwspel.

 

20 november 2015

 

 

MEER RECENSIES

 

Chaim! – To Life!

***

recensie  L’Chaim! – To Life!

Opgewekte zelfdestructie

door Cor Oliemeulen

In tegenstelling tot hun eigen ouders overleefden zijn vader en moeder de nazivernietigingskampen. Bij zijn geboorte kreeg hij toepasselijk de naam Chaim: ‘op het leven’. De documentaire L’Chaim – To Life! portretteert een man die al 63 jaar wordt geconfronteerd met de gevolgen van de Holocaust.

De hoogbejaarde Nechuma Lubelski heeft als overlevende van de Holocaust haar schaterlach nog niet verloren. Sinds het overlijden van haar man ontfermt zoon Chaim zich over haar in een Antwerps ouderentehuis. Met zijn petje, baard, sjofele kleren en sympathieke, intelligente babbel is hij een excentrieke verschijning. Ooit was Chaim achtereenvolgens student, zwerver, hippie, schaakprof en miljonair, die bijna al zijn vermogen op de beurs verloor. Tegenwoordig staat zijn leven in het teken van de onvoorwaardelijke zorg voor zijn moeder.

Recensie L’Chaim! - To Life!

Blowen als redmiddel
Samen lachen en zingen ze heel wat af. Zodra oorlogsherinneringen bovenkomen, valt er een pijnlijke stilte, maar weet Chaim zijn moeder snel naar het heden te charmeren. Nechuma roept ’s nachts om haar vermoorde ouders en overdag kijkt ze oude foto’s en leest ze als verstrooiing de Duitse Bild. Zestiger Chaim heeft zich volkomen weggecijferd. Hij denkt dat hij het leven slechts aankan door de hele dag jointjes te roken. De huidige maatschappij ervaart hij als onnatuurlijk en oppervlakkig.

Alleen tijdens zijn bezoekjes aan Jeruzalem ziet hij soms nog ‘echte’ mensen: personen die ook in zeer barre weersomstandigheden bij de Klaagmuur bidden en niet om zich heen kijken of anderen wel zien hoe vroom ze zijn. Ook Chaim is religieus, ook al zien we hem niet bidden, noch klagen. Zijn appartement in Jeruzalem heeft hij aangehouden voor zijn boekenverzameling, want “religieuze boeken horen niet in dozen”. Wegens financiële redenen moet het er nu toch van komen.

Wanhoop door de lol heen
Regisseur Elkan Spiller, ook kind van Holocaust-overlevenden, draaide enkele jaren geleden al een heel kort filmpje over moeder en zoon Lubelski. Zijn documentaire L’Chaim! – To Life!, die tot stand kwam door crowdfunding, verdiept hun liefdevolle relatie. Door alle lol en relativeringspogingen heen zien we de wanhoop van een man die naar eigen zeggen verkeert in een toestand tussen vegeteren en zelfdestructie. Je vraagt je af wat hij verder met zijn leven aan moet nadat zijn moeder is overleden.

Recensie L’Chaim! - To Life!

De documentaire maakt soms een rommelige indruk, want Spiller plakt simpelweg een aantal scènes achter elkaar om een atmosfeer te creëren. Ondertussen vergeet hij een mooie dramatische opbouw. Het sterkste punt van L’Chaim! – To Life! is het zinderende fragment als blijkt dat Chaim al zes jaar lang de dood van zijn zus verzwijgt omdat hij meent dat dit nieuws fataal voor zijn moeder is. De kijker vraagt zich af of Chaim dit recht wel heeft. Grappig daarentegen is het fragment waarin hij in een park kleine jongetjes met keppeltjes amuseert door hun kennis van joodse feestdagen te testen.

De première van L’Chaim – To Life! is donderdag 8 oktober in Het Ketelhuis (Amsterdam) in aanwezigheid van regisseur Elkan Spiller en hoofdpersoon Chaim Lubelski. Hierna maakt de documentaire een tour door het land en zal de regisseur bij een aantal vertoningen beschikbaar zijn voor een nagesprek.

 

3 oktober 2015

 

MEER RECENSIES

 

She´s Funny That Way

***

recensie  She´s Funny That Way

Pretentieloos vermaak in nostalgische komedie

door Cor Oliemeulen

She´s Funny That Way biedt uitkomst in een tijd waarin de ene romantische komedie de andere overtreft in stompzinnige luiheid. Zie hier een originele klucht die de sfeer van weleer oproept. Lang niet zo ingenieus als Midnight in Paris, maar onderhoudend genoeg voor een regenachtige zondagmiddag of een zwoele zomeravond.

“I’ve got a man crazy for me. He’s funny that way”, zong Billy Holliday in een tijd waar puurheid het nog won van commercie. De hang naar nostalgie vinden we volop terug in de jongste film van Peter Bogdanovich, een Amerikaanse filmmaker die in de jaren ’70 klassiekers als The Last Picture Show en Paper Moon maakte en zo’n status verwierf dat hij de regie van The Godfather en Chinatown aan zich voorbij kon laten gaan. Na een handvol televisiefilms, een aflevering van The Sopranos en een documentaire over Tom Petty and the Heartbreakers keert de inmiddels 75-jarige Bogdanovich terug naar het witte doek met een kolderieke klucht die teruggrijpt naar het hoge tempo van de klassieke romantische komedies uit de jaren ’30, begeleid door een dito soundtrack, en slim genoeg vol zit met verwijzingen naar films van weleer.

Recensie She´s Funny That Way

Callgirl wordt actrice
She’s Funny That Way is een hilarisch praatfeestje waar het spelplezier regelmatig van het scherm spat. Owen Wilson speelt de bekende theaterregisseur Arnold Albertson, voor wie je sympathie blijft houden, zelfs als hij door de ene telefoon praat met zijn vrouw en kinderen en tegelijkertijd belt met een escortservice om een callgirl te bestellen. Even later ligt de bevallige Isabelle (Imogen Poots) in zijn hotelkamerbed en biedt Arnold haar 30.000 dollar zodat zij kan stoppen met de exploitatie van haar lichaam en kan gaan werken aan haar ambitie om actrice te worden. Alle gekkigheid begint als Isabelle zonder dat zij het weet een auditie doet voor het nieuwe stuk van Arnold en iedereen imponeert zodat zij wordt gekozen voor de hoofdrol, jawel: een callgirl.

Bogdanovich charterde zijn bevriende collega’s Wes Anderson (The Grand Budapest Hotel) en Noah Baumbach (Frances Ha) als executive producers zodat zijn film, die al vijftien jaar in zijn hoofd spookte, eindelijk van de grond kon komen en sterren als Owen Wilson (vaste acteur van Wes Anderson) en Jennifer Aniston (als bitchy psychiater) binnen boord konden worden gehaald. Opvallend genoeg bespeur je in She’s Funny That Way enkele handelsmerken van genoemde regisseurs: de droogabsurde situaties van Anderson en de relatieperikelen van Baumbach. Ook doet de film soms denken aan nostalgische vertellingen van Woody Allen, vooral omdat Bogdanovich’ komedie zich afspeelt in New York, wat wordt benadrukt door het vette Brooklyn-accent van de Engelse Imogen Poots.

Recensie She´s Funny That Way

Boordevol leuke rollen
Het verhaal stelt niet veel voor, maar de situaties en onderlinge confrontaties zijn kostelijk. Tegenwoordig zie je nog maar zelden romantische komedies die het niet hoeven te hebben van seksbanaliteiten, onderbroekenlol en clichés. Alleen al om die reden is She’s Funny That Way dik de moeite waard. Het is een onderhoudend, pretentieloos blijspel boordevol leuke rollen.

Naast Wilson, Poots en Aniston, maken we kennis met Rhys Ifans als de populaire sterspeler van het theaterstuk, Will Forte als scenarioschrijver die keihard valt voor de callgirl en Cybill Shepherd (sinds haar doorbraak in The Last Picture Show jarenlang de geliefde van Peter Bogdanovich) als haar bezorgde moeder. De cameo van Quentin Tarantino aan het eind valt jammerlijk uit de toon en bewijst hoe moeilijk het is om een geslaagde komedie in stijl af te ronden.

 

18 juli 2015

 

MEER RECENSIES

Every Thing Will Be Fine

**

recensie  Every Thing Will Be Fine

Gevoelstemperatuur onder nul

door Alfred Bos

De nieuwe film van Wim Wenders is een studie in afwezigheid. James Franco speelt een romanschrijver die buiten zijn schuld een kind doodrijdt. Al duurt het jaren, er komt verlossing.

Wim Wenders, de man van Paris, Texas en de Buena Vista Social Club-documentaire, is het slag regisseur dat vooral aandacht besteedt aan personages en sfeer, minder aan verhaal en intrige. Zijn laatste werkstuk is een goed voorbeeld van die aanpak. In Every Thing Will Be Fine moet een opkomende schrijver, gespeeld door James Franco, zijn intellect in balans brengen met zijn gevoel. Hoewel uiterlijk succesvol, schrijnt zijn ziel. Hij heeft buiten zijn schuld een kind doodgereden. Hij is een instrument van het lot en dat knaagt.

Recensie Every Thing Will Be Fine

James Franco als karakteracteur, wie had dat durven dromen. Hij komt er heel aardig mee weg, mede omdat zijn personage, auteur Tomas Eldan, vooral in diens hoofd leeft en nauwelijks emotioneel contact lijkt te maken met zijn omgeving. Zijn vriendin, Sara (Rachel McAdams), kan met zo’n afwezige man niet leven en verlaat hem. Wanneer ze elkaar jaren later tegenkomen – zij getrouwd en moeder, hij successchrijver en stiefpa – beseft Tomas nauwelijks wat hij bij Sara verkeerd heeft gedaan. Hij is meer geest dan mens.

Confrontatie
Zijn tegendeel is Kate (Charlotte Gainsbourg), de moeder van het verongelukte jongetje. Ze is een alleenstaande ouder, eveneens een geabsorbeerde creatieveling, een illustrator, die op het platteland van Quebec, Canada in haar eigen wereld opgaat. Anders dan Tomas accepteert ze haar rol in het drama. Kate koestert geen wrok tegen de man die haar jongste kind doodreed en helpt hem het trauma te verwerken. Ze is nuchter en aards, ziet schoonheid in de dagelijkse dingen, de natuur en de seizoenen.

Kate’s oudste zoon, Christopher (Robert Maylor), was getuige van het noodlottige ongeval en is in zekere zin het spiegelbeeld van Tomas, broeierig en bezeten. Hij groeit zonder broer op tot een getroebleerde tiener die geobsedeerd is door de man die zijn leven overhoop trok. Wanneer Tomas twaalf jaar later een roman publiceert waarin het incident een rol speelt, zoekt Christopher hem op. Door de confrontatie worden de wonden eindelijk geheeld, het gat gevuld.

Every Thing Will Be Fine

Mannelijke identiteitscrisis
Every Thing Will Be Fine is een film over absentie: Kate was er niet voor haar zoontjes, ze was verdwenen in het boek dat ze zat te lezen. De mannelijke hoofdpersonen, Tomas en Christopher, missen een emotionele basis, een fundament onder hun bestaan. De vrouwelijke personages daarentegen, Kate en Sara, zijn zeker van hun zaak. Zo is de film te ‘lezen’ als een eigentijdse zedenschets met een emancipatoire ondertoon, een politiek correct commentaar op de mannelijke identiteitscrisis. Feit is dat het draaiboek werd geschreven door de Noor Bjørn Olaf Johannessen; in zijn script van Nowhere Man (2008) staat eveneens een twijfelende man centraal.

Het tempo van Every Thing Will Be Fine is traag, onthecht bijna. Het suggereert een diepgang die nimmer manifest wordt en zo is de film zelf de uitdrukking van zijn hoofdthema, afwezigheid. Er valt op Wenders’ werk nauwelijks iets aan te merken: de fotografie is fraai, de acteurs competent, het thema verantwoord. En toch is het lastig om gevoelsmatig contact te maken met het verhaal, alsof het allemaal te afstandelijk, te netjes, te verantwoord is. Wenders’ laatste fictiefilm, Palermo Shooting (2008), had een mediterraanse esprit. Deze film staat daar haaks op. De Scandinavische kilheid slaat naar binnen en laat, helaas, de kijker koud achter.

14 juli 2015

 

MEER RECENSIES

 

White Shadow

***

recensie  White Shadow

Het chaotische leven van een albino

door Cor Oliemeulen

Buitenbeentjes vormen een dankbaar thema voor filmmakers, zeker als ze voortdurend in levensgevaar zijn. White Shadow is de eerste speelfilm over Afrikaanse albino’s die hoog op het verlanglijstje van idiote medicijnmannen staan.

In een aantal Oost-Afrikaanse landen lopen albino’s het risico in mootjes te worden gehakt, omdat toverdokters denken dat hun lichaamsdelen geluk brengende eigenschappen bezitten. Volgens het Rode Kruis betalen handelaren tot wel 75.000 duizend euro voor een complete set van lichaamsdelen van een albino. Volgens de Verenigde Naties zijn er in Tanzania vanaf 2000 al bijna tachtig albino’s gedood. President Kikwete liet in maart van dit jaar meer dan tweehonderd toverdokters en traditionele genezers arresteren om een eind te maken aan deze praktijk.

Recensie White Shadow

Goed bedoeld, maar rommelig
Albinisme is het aangeboren ontbreken van het pigment melanine in het haar of de huid, wat resulteert in een gedeeltelijk of geheel witte huid en rode ogen. Terwijl in westerse landen 1 op 20.000 mensen als albino wordt geboren, zou deze afwijking in Tanzania 1 op 1.400 keer voorkomen. Onderzoekers brengen dit fenomeen in verband met inteelt. De laatste jaren is in documentaires en reportages steeds meer aandacht voor de precaire positie van albino’s in Oost-Afrika.

De Israëlisch-Duitse regisseur Noaz Deshe besloot er een fictieve film over te maken. Door de lastige culturele en infrastructurele omstandigheden moest hij veelal werken met beperkte technische middelen. Zijn debuutfilm White Shadow lijkt dan ook soms op een reportage, omdat bijna alle scènes met één handheld camera zijn opgenomen. Het is een gefragmenteerd drama waarin registrerende, dramatische, gewelddadige en poëtische fragmenten elkaar afwisselen. Hoe goed bedoeld dan ook maakt het geheel een rommelige indruk waarbij je regelmatig de draad kwijtraakt.

Recensie White Shadow

Opvallende verschijning
Hoofdpersoon van White Shadow is de tienerjongen Alias. Nadat zijn albinovader met hakmessen is vermoord, vertrouwt zijn lieve moeder hem toe aan een oom, omdat de grote stad misschien veiliger voor hem is en meer perspectief biedt. Alias moet op straat zonnebrillen, telefoons en films aan automobilisten verkopen. Met zijn bleke huid en rossige krulletjes is hij natuurlijk een opvallende verschijning die altijd op zijn hoede moet zijn. Alias raakt bevriend met de dochter van zijn oom, maar samen knuffelen gaat oom te ver.

In feite is White Shadow even chaotisch als het leven van een albino in Tanzania. De jongen Alias is geknipt voor de hoofdrol en weet voldoende empathie voor zijn uitzonderlijke situatie en zijn weinig hoopgevende vooruitzicht op te wekken. De meeste van zijn leeftijdsgenootjes vinden hem vies en honen hem weg, zodat hij zich het meest geborgen voelt tussen andere albinokinderen die op verborgen locaties zijn ondergebracht.

En dan komen de gebeurtenissen plots in een stroomversnelling. Tijdens een lynchpartij staat Alias oog in oog met een foute toverdokter en krijgt hij een mes in zijn hand gedrukt…

 

1 mei 2015

 

MEER RECENSIES

5 tot dusver onderbelichte Duitse films

Vijf onderbelichte Duitse films

Gespenster

Wegens de première van Christian Petzolds Phoenix gaat Indebioscoop op zoek naar onderbelichte Duitse films die weer even in de schijnwerper mogen staan. 

door George Vermij

1. – Das Kaninchen bin ich (1965, Kurt Maetzig)

Een opmerkelijke film om verschillende redenen. Das Kaninchen bin ich werd gefilmd in Oost-Berlijn net nadat De Muur de stad op wrede wijze in tweeën had gedeeld. Regisseur Kurt Maetzig had in de DDR al een reputatie opgebouwd als filmmaker die werkte binnen de sociaal-realistische lijn die door de strenge partijtop werd voorgeschreven. Maar toen maakte hij deze film die op momenten stilistisch doet denken aan de nouvelle vague. Filmische vernieuwing hing blijkbaar overal in de lucht in de jaren zestig.

Het verhaal draait om Maria, een jonge vrouw die in voice-over vertelt over haar leven in Berlijn. Als haar broer wordt opgepakt wegens subversieve activiteiten, wordt haar leven onmogelijk gemaakt door de staat die overal zijn strenge invloed op uitoefent. Een lichtpuntje is een relatie die zij opbouwt met een oudere man. Dat verandert als zij erachter komt dat hij als rechter haar broer heeft veroordeeld. Dat de film te vrij en vernieuwend was blijkt wel uit de reactie van Erich Honecker die de film, ondanks Maetzigs communistische sympathieën, een symbool van westerse decadentie vond. Das Kaninchen bin ich werd al snel met andere “subversieve” DDR-films verboden. Deze films werden toepasselijk door het systeem gebrandmerkt als Kaninchenfilme.

Das-Kaninchen-bin-ich

2. – Supermarkt (1973, Roland Klick)

Als je het rauwe Supermarkt moet geloven dan is Hamburg even rauw en vervallen als het New York van The French Connection en Taxi Driver. Door morsige straten met seksclubs en dronken hoerenlopers volgt regisseur Roland Klick met zijn vloeiende camera de jonge Willi. Iemand die voor galg en rad is geboren en tussen de dealers en criminelen probeert te overleven. Dit wordt snel en zonder veel achtergrondinfo getoond, waardoor het verhaal op momenten niet even geloofwaardig overkomt. Wat de film wel pakkend maakt is de rauwe en inventieve stijl van Klick en de haast protopunk alles-naar-de-klote houding van zijn hoofdpersoon. Supermarkt  is ook een fascinerende tijdcapsule naar de vieze Duitse jaren zeventig met Hamburg als een waar Gommora dat Klick in al zijn decadente glorie weet te vangen.

3. – Der Wald vor lauter Bäumen (2003, Maren Ade)

Alhoewel onderwijs een geliefd thema is voor filmmakers, zijn er maar weinig films die op zo’n indringende wijze tonen wat er gebeurt als het allemaal misgaat. Melanie is een jonge vrouw die na haar opleiding les gaat geven op een middelbare school. In de film komt zij over als timide persoon die steeds bevestiging nodig heeft en zichzelf te veel forceert om te presteren. Het knappe is dat regisseuse Maren Ade haar hoofdpersoon niet altijd sympathiek aan ons voorschotelt. Melanie wordt zo een echt mens van vlees en bloed met zwakke maar herkenbare kanten die genadeloos door haar leerlingen worden uitgebuit. Ondertussen raakt zij steeds meer geïsoleerd in haar nieuwe omgeving waardoor zij gaat twijfelen aan haarzelf. Der Wald vor lauter Bäumen is een meesterlijke film van een regisseuse die meer aandacht verdient. Zij volgde deze film op met het sterke Alle Anderen  waar op een net zo indringende wijze een liefdesrelatie wordt ontleed.

Der Wald vor lauter Bäumen

4. – Gespenster (2005, Christian Petzold)

Christian Petzold heeft zich bewezen als het boegbeeld van de nieuwe Duitse cinema en als productieve auteur-cineast. Zijn beste film is het mysterieuze en vervreemdende Gespenster. De film volgt de jonge en kwetsbare Nina in Berlijn die in contact komt met de zelfverzekerde en onberekenbare Toni. Ze dwalen door de stad, terwijl in een parallelle verhaallijn een Franse vrouw haar vermiste dochter denkt te herkennen in een van de meisjes. De film heeft een hypnotisch tempo en drijft op de kracht van de twee vrouwelijke hoofdrolspelers: de ingetogen Julia Hummer als Nina en de charismatische Sabine Timoteo als Toni. Met als hoogtepunt een intieme monoloog van Nina die doet denken aan vergelijkbare filmische bekentenissen uit Jean-Luc Godards Weekend en Ingmar Bergman’s Persona.

5. – Der Freie Wille (2006, Matthias Glasner)

Zeker geen makkelijke film dit. Het begint gelijk al akelig met een lange en wrede verkrachtingsscène die door bepaalde critici wordt vergeleken met Gaspar Noé’s Irréversible. Regisseur Matthias Glasner wil met deze lange film echter niet alleen choqueren, maar ook een beeld schetsen van de complexe psychologie van een verkrachter. Als Theo (een ongemakkelijke Jürgen Vogel) na een jarenlange gevangenisstraf weer vrijkomt, probeert hij een normaal leven op te bouwen. Hij komt in contact met Netti (wederom een sterke rol van Sabine Timoteo) die ook haar psychische problemen heeft. Moeizaam maar geleidelijk lijkt een normaal leven mogelijk, maar de vraag is voor hoelang.  Door middel van het beklemmende spel tussen Vogel en Timoteo weet deze film ondanks zijn lange duur en zware thematiek je geboeid te houden.

28 maart 2015

 

Alle leuke filmlijstjes

Phoenix

***

recensie  Phoenix

Terugkeer van een schim

door George Vermij

In de nieuwste film van Christian Petzold kijkt hij in plaats van het eigentijdse Duitsland weer naar het verleden, zoals hij deed in Barbara (2012). Een joodse vrouw keert na de oorlog terug naar de ruïnes van Berlijn op zoek naar haar man. 

Nelly is echter zwaar getekend door het conflict. Na gevlucht te zijn uit een concentratiekamp is haar gezicht verminkt. In de Amerikaanse zone van het vernietigde Berlijn wordt zij opgevangen door een oude vriendin. Zij helpt overlevenden en probeert mensen te identificeren aan de hand van de foto’s van de net bevrijde kampen.

Recensie Phoenix

De in shock verkerende Nelly krijgt een nieuw gezicht en went langzaam aan haar nieuwe leven. Er blijven nog wel vragen uit het verleden opdoemen. Wat is er met haar man gebeurd? En wie heeft haar verraden? En zo belandt zij al zoekend door de ruïnes van Berlijn in de nachtclub Phoenix, waar ze haar man Johnny denkt te herkennen.

Steriel puin
Phoenix bevat veel elementen die als constanten terugkomen in Petzolds oeuvre. De betekenis en kwetsbaarheid van identiteit vormt daarin de grote lijn. In zijn hypnotische Gespenster (2005) wordt een psychisch labiel meisje verward met een vermist kind. In Yella (2007) kiest een vrouw uit Oost-Duitsland voor een nieuwe carrière in het westen, maar komt gaandeweg in een identiteitsconflict terwijl de film effectief speelt met schijn en werkelijkheid.

Phoenix koppelt dit identiteitsgegeven met een verhaal dat film noir-achtig aandoet. Het is een populair genre dat Petzold ondanks zijn arthouse-achtergrond fascineert. Zo was zijn Jerichow (2008) als een eigentijdse en kale remake van de klassiekers Double Indemnity (1944) en The Postman always rings twice (1946).

Helaas is de rauwheid en het mysterie van Petzolds vroege werk vervangen door een steriele en degelijke filmstijl waar actrice Nina Hoss (een vaste verschijning in zijn films) als schim doorheen dwaalt. Het naoorlogse Berlijn valt daarbij erg tegen en lijkt het conflict zonder al te veel schade te hebben doorstaan. De acteurs en figuranten lijken bij te komen van een ongemakkelijk uitstapje en niet van een vernietigend conflict. De sfeer voelt daarom minder grimmig als je het vergelijkt met Lars von Triers visueel overdonderende Europa (1991) of oudere films zoals Roberto Rossellini’s Germania, anno zero (1948) en Samuel Fullers Verboten! (1959).

Recensie Phoenix

Speak Low
Het verhaal dat zich ontvouwt als Nelly en Johnny weer bij elkaar komen, is daarnaast ook niet verrassend en bevat een voorspelbare twist. Een muziekstuk vormt daarbij een belangrijk en terugkerend thema, net als in Yella. Het is het mooie liedje Speak Low van Kurt Weill dat in verschillende versies te horen is.

Wat nog wel overeind blijft staan is Hoss’ vertolking als de uitgebluste Nelly die haar eigen Stunde Null (een Duitse term die verwijst naar 8 mei 1945 toen de Nazi’s capituleerden) meemaakt. Zij weet treffend het gevoel over te brengen van een ontheemde persoon die alles wat haar dierbaar is, heeft verloren.

Toch voelt Phoenix niet zozeer aan als een film over de beladen geschiedenis van Duitsland. Daarvoor biedt de film te weinig inzichten of nieuwe feiten. Het is meer een terugkerend onderzoek van Petzold naar identiteit en vertrouwen. Een onderzoek dat in vergelijking met zijn eerdere werk niet al te verrassende resultaten oplevert ondanks een sterke rol van Hoss.

 

23 maart 2015

 

MEER RECENSIES

 

Vijf onderbelichte Duitse films

Song from the Forest

****

recensie  Song from the Forest

Terug naar hypnotiserende eenvoud

door Suzan Groothuis

Gegrepen door hun muziek en de ongereptheid van de natuur besloot de Amerikaan Louis Sarno zich 25 jaar geleden bij de Bayaka, een Pygmeestam, te voegen. Song from the Forest toont een man die zich laat leiden door passie, maar tegelijkertijd dringt de vraag zich op hoe lang hij nog in zijn dorp kan blijven wonen. 

Michael Obert (Duits auteur en journalist die voornamelijk verslag doet vanuit Afrika) toont in zijn eerste film hoe de Amerikaan Louis Sarno koos voor een leven in Centraal-Afrika tussen de Bayaka, een Pygmeestam van jagers en verzamelaars.

 Recensie Song from the Forest

Meer dan 25 jaar geleden werd Louis gegrepen door een lied op de radio. Hij volgde het geluid tot in de regenwouden van Centraal-Afrika, waar hij uitkwam bij de Bayaka, een van de oudste stammen op aarde. Louis, onder de indruk van hun cultuur en muzikaliteit, besloot er te blijven. Nu is hij een van hen, spreekt de taal en heeft een vrouw en een zoon, Samedi. De muziek, ‘polyphonic singing’, vormt een essentieel onderdeel van het bestaan van de Bayaka. Een mix van zang, repetitieve ritmes en de geluiden die de natuur rijk is. Louis maakte afgelopen jaren zo’n duizend uur aan unieke muziekopnames.

Bevoorrechte positie
De film is in twee helften op te delen: de eerste helft volgt Louis in Afrika, waar de camera het leven dat hij leidt vastlegt. Een leven van eenvoud, waarbij de relatie tussen mens en natuur centraal staat. Louis vertelt hoe hij tot zijn keuze kwam om naar Afrika en deze specifieke Pygmeestam te trekken. De muziek, het jagen en de blijdschap van de mensen hadden een hypnotiserende werking op hem. Dat hij zijn leven voor een deel bij de Bayaka heeft mogen doorbrengen ziet Louis als bevoorrecht.

Het tweede deel van de film volgt Louis in Amerika. Toen zijn zoontje ernstig ziek was, beloofde Louis hem zijn thuisland te laten zien. Tijdens zijn bezoek ziet hij zijn goede vriend Jim Jarmusch en zijn broer. Zij vertellen over Louis’ beweegredenen om naar Afrika te trekken, een keuze die zij respecteren. Maar een keuze die voor zijn ouders moeilijk te begrijpen was – pas op zijn sterfbed liet Louis’ vader het idee los dat Louis ooit nog terug zou keren.

Contrast van culturen
De twee culturen vormen een groot contrast met elkaar. In Amerika lijkt Louis te beseffen dat hij geen gemakkelijke keuze heeft gemaakt door in Afrika in eenvoud te leven. Zijn gezondheid staat op het spel, hij heeft schulden en de toekomst van zijn zoontje is onzeker. Tegelijkertijd blijft hij gepassioneerd over zijn ware thuis, de Centraal –Afrikaanse Republiek, waar hij zijn spirituele rust vindt.

Toch blijkt ook Louis ontvankelijk voor de verlokkingen van de Amerikaanse consumptiemaatschappij. In een scène maakt Samedi zich boos over het speelgoed dat hij van zijn vader krijgt. Hoe kan je nou speelgoed meenemen naar het dorp, terwijl mensen bruikbare dingen als schoenen en ondergoed nodig hebben? Samedi’s overpeinzingen roepen vragen op en laten goed de verwarring zien die de reis bij de twee teweegbrengt.

Recensie Song from the Forest

Passie en tragiek
Song from the Forest doet in zijn thematiek denken aan het Mexicaanse Alamar (2009), waar een jongen alvorens hij bij zijn Italiaanse moeder in Rome gaat wonen tijd met zijn vader doorbrengt en teruggeworpen is op een eenvoudig vissersbestaan. De schoonheid van de natuur en repetitieve handelingen brengen een hypnotiserend effect teweeg. Maar tegelijkertijd wacht er een druk en rijker leven op hem. Of Beware of Mr. Baker (2012), waar drummer Ginger Baker van Cream alles achter zich laat en naar Afrika trekt om op te gaan in verslavende ritmes.

Passie, eenvoud en tragiek gaan samen in Song from the Forest. Enerzijds de hypnotiserende schoonheid van een stam die in puurheid leeft, anderzijds de grauwe werkelijkheid van toekomst en rondkomen, die als een grijze sluier van zorgen om Louis heen hangt.

 

26 oktober 2016

 

MEER RECENSIES

Alphabet

***

recensie  Alphabet

Modern onderwijs als grote boosdoener

door Karina Meerman

Ontluisterend beeld van het huidige onderwijssysteem, dat mensen opleidt tot gehoorzame werkers en ze hun creatieve vermogen ontneemt. 

In 2006 gaf Sir Ken Robinson een lezing bij TED, genaamd ‘Do school kills creativity?’ Zijn antwoord was een onderbouwd en overtuigd ‘ja’. Deze monoloog was de inspiratie voor Alphabet, een documentaire van filmmaker Erwin Wagenhofer over het huidige onderwijssysteem, dat de nadruk legt op scores en resultaten en niet op het ontplooien van talenten. Sterker nog, onderwijst beperkt het denken van kinderen omdat ze worden gedrild in het geven van het juiste antwoord op de juiste vraag.

Recensie Alphabet

Afgericht
Alphabet opent met het voorbeeld van China, waar de druk om goede cijfers te halen steeds hoger wordt. Bedrijven die kinderen helpen hun examens goed te maken, verdienen grof geld en een aantal is zelfs beursgenoteerd. Examens zijn een economische factor geworden. De beelden suggereren dat de kinderen op een bijna militaristische manier worden afgericht. Dat idee wordt versterkt door Duitse neurobioloog Gerald Hüther, die uitlegt dat scholen van nu een afspiegeling zijn van vroegere tijden. De industrialisatie had jonge mensen nodig die machines konden bedienen en daar werden ze ook voor opgeleid: voor het opvolgen van instructies. Loyale werkers, dat is wat de economie nodig had. En de terminologie van moderne bedrijven lijkt wel afkomstig uit het leger van toen: markten veroveren, tegenslagen incasseren, strategieën aanpassen en middelen inzetten (lees: mensen).

Angst
Scores en toetsen, daarop worden jonge mensen gestuurd. De internationale graadmeter voor educatieve kwaliteit is de PISA-score. De OESO (Organisatie voor Economische Samenwerking en Ontwikkeling) test 15-jarigen in zestig landen op het gebied van lees – en rekenvaardigheid en wetenschap, met een nadruk op wiskunde. Een relatief lage PISA-score was aanleiding voor Duitsland om in 2002 zijn hele onderwijssysteem te herzien. Wanneer in de media wordt gesproken over de teruglopende kwaliteit van Nederlandse educatie, bedoelt men over het algemeen onze dalende positie op de PISA-ladder. De achtergrond is angst, aldus de neurobioloog, angst die we erven van onze ouders.

Werk
Wie niet de juiste papieren kan laten zien, heeft moeite om te overleven. Dat was het verhaal van de Duitse jongen die alleen stages kan krijgen en acht euro per dag verdient. Wat je talenten zijn is niet belangrijk, maar wat je hebt gescoord op school. Een Duitse studente leest een brief voor, waarin ze zegt dat haar opleiding ten koste gaat van haar jeugd. Zij en haar vrienden hebben nooit meer tijd om te spelen of om in de zon te liggen. Studeren moeten ze en hoog scoren, anders verliezen ze de kans op een goede baan. Banen die in een veranderende wereld juist vragen om creatief denken en analytisch vermogen, maar die steeds moeilijker te vinden zijn.

Recensie Alphabet

Liefde
In deze deprimerende documentaire vinden we twee verheugende verhalen. Gitaarmaker André Stern heeft geen opleiding, maar kreeg van een meester de kans om zich te ontwikkelen tot excellente gitaarbouwer. Hij heeft zijn zelfvertrouwen te danken aan het feit dat hij nooit naar school is gegaan, zegt hij zelf. Dit is een echo van Pablo Pineda (Yo, También), de enige Europeaan met Downsyndroom die een universitair diploma behaalde. “Omdat ik een paar leraren had die me behandelden als iemand met potentieel. Zo eindigt de angstcultuur en begint een cultuur van liefde.”

Misschien dat Alphabet onderwijsdeskundigen aanspoort tot verandering. Dat dit nodig is, brengt de documentaire wel over, zij het in traag tempo. Echte oplossingen worden niet gegeven, maar misschien zijn die er ook nog niet. Wie alleen zijdelings interesse heeft in de kwaadaardige kant van onderwijs, kan volstaan met de ontroerende TED-talk van Sir Robinson. URL: https://www.youtube.com/watch?v=iG9CE55wbtY

12 september 2014

 

 

MEER RECENSIES

Kreuzweg

*****

recensie  Kreuzweg

Maria is Jezus

door Cor Oliemeulen

In naam van religie worden mensen verstoten, verkracht en vermoord. Andere geloofsfanatici hebben grootmoedigere bedoelingen, zoals de streng katholieke Maria. In het wonderbaarlijke drama Kreuzweg verslikt ze zich pardoes in een hostie.  

De Kruisweg is een nabootsing van de lijdensweg van Jezus vanaf het paleis van Pontius Pilatus tot op de heuvel van Golgotha, de plaats waar Jezus door Romeinen aan het kruis werd gespijkerd. Volgens de rooms-katholieke traditie volgen gelovigen op Goede Vrijdag veertien kruiswegstaties, meestal schilderijen die de gang naar de terechtstelling verbeelden.

Stijgende verbazing
Het Duitse drama Kreuzweg is opgebouwd uit veertien fragmenten die min of meer parallel lopen met de veertien staties. Veertien veelzeggende statische shots waarbij de toeschouwer van afstand de interactie tussen de personages kan gadeslaan en met stijgende verbazing en ontzetting het verhaal kan volgen. Een bijzonder idee met een originele filmconstructie, consequente opbouw en lak aan conventies. Laat je niet ontmoedigen door het eerste fragment met als titel ‘Jezus ter dood veroordeeld’. Een duffe, maar weinig aan de verbeelding overlatende, godsdienstles die de opmaat vormt van een apotheose die neerdaalt als een schicht uit de hemel.

Recensie Kreuzweg

De hoofdpersoon is veertien lentes jong en luistert naar de naam Maria. Ze is het oudste kind van een streng gelovig gezin. De familie is lid van een fictieve congregatie die is gebaseerd op St. Pius X, een gemeenschap die alle hervormingen sinds het Tweede Vaticaans Concilie van de jaren zestig afzweert. Deze semi-schismatieke organisatie werd in 2009 wereldnieuws omdat één van zijn vier bisschoppen de Holocaust ontkende. Als je lid bent van deze club is er geen ruimte voor persoonlijke behoeftes en ontwikkeling. Dat ondervindt ook Maria. Ze is een meisje, dat op het punt staat de wereld tegemoet te treden, maar door ouderwetse dogma’s en indoctrinatie – van vooral haar moeder – die wereld en haar eigen gevoelens leert wantrouwen.

Soldaten van Jezus Christus
De priester kan er ook wat van. Hij is jong, gedreven, charismatisch en zeer rap van tong. Als voorbereiding op hun Vormsel (voor niet-katholieken: als je bent gedoopt, ontvang je een sacrament met de kracht van de Heilige Geest) heeft hij wat kinderen om zich heen verzameld. De boodschap is duidelijk: Satan is de vijand, ziekte een straf van God en de kinderen, die zijn gezegend met wonderlijke energie in hun hart, moeten zich gedragen als ‘soldaten van Jezus Christus’. De ziel van andere mensen redden dus. En offers brengen. Dit betekent voor Maria dat ze misschien haar autistische broertje, de kleine Johannes, gezond kan maken.

De makers van Kreuzweg – broer en zus Dietrich en Anna Brüggemann, die zelf opgroeiden in een St. Pius X gerelateerde omgeving – prefereren psychologische beschouwingen boven de karikaturale diepzwarte humor van Glaube, onderdeel van de verdienstelijke, maar omstreden Paradis-trilogie van de Oostenrijkse filmmaker Ulrich Seidl. In dat drama blijkt de protagonist, een vrouw van middelbare leeftijd, zo vol van Jezus dat ze op haar blote knieën door de kamer kruipt, zichzelf geselt met een zweepje en masturbeert met een kruisbeeld.

Recensie Kreuzweg

Verleiden tot onzedelijke acties
Maria stelt haar lichaam, ziel en zaligheid op een andere manier ter beschikking aan het geloof en houdt het aanvankelijk simpel. Ze trotseert het koude weer zonder jas, wil niet lachen als ze op de foto gaat, doet – tot begrijpelijke hilariteit van haar klasgenoten – niet mee aan schoolgymnastiek omdat er verderfelijke muziek wordt gedraaid en biecht elke scheet op bij de priester. Het onpersoonlijke, wereldvreemde contact met deze vermeende zielzorger maakt de gemoedstoestand van Maria er niet beter op. Net als haar moeder vindt de priester dat het pubermeisje geen onkuise gedachten over jongens mag hebben en dat ‘de ritmes van drums en de monotone baslijnen van soulmuziek en gospel ons tot onzedelijke acties verleiden’.

Ondertussen probeert Maria’s klasgenoot Christian tot haar door te dringen. Hij is lid van een geloofsgemeenschap waar ze die satanische muziek graag ten gehore brengen. In hun kerk zijn ook vrouwelijke misdienaars, een gegeven dat Maria ten strengste afkeurt, omdat meisjes de mannelijke kerkgangers afleiden van het gebed. Op de vraag van Christian of de vrouwen niet kunnen worden afgeleid door jongensmisdienaars komt geen antwoord. Maria’s onbedoelde hypocrisie en voortschrijdende afzondering versterken haar ijzeren wil om haar moeder te behagen en haar broertje te redden. Sterke rollen van de debuterende Lea van Acken als Maria, en Franziska Weisz als haar moeder in dit trefzekere drama over godsdienstwaanzin.

 

29 augustus 2014

 

MEER RECENSIES