Patience Stone, The

***

recensie  The Patience Stone

Elegante aanklacht tegen vrouwenonderdrukking

door Eva Baaren

Ondanks de vele monologen in deze film maakt regisseur en boekauteur Atiq Rahimi van The Patience Stone een boeiend verhaal, dat de problematiek van vrouwenonderdrukking in strenge moslimlanden op elegante wijze aankaart.

Als haar echtgenoot in een door burgeroorlog geteisterd Arabisch land in coma raakt, blijft een jonge Moslima (Golshifteh Farahani) hem trouw verzorgen. Maar hoe langer zijn bewusteloosheid duurt, hoe meer zij van hem loskomt en haar geheimen, onderdrukte emoties en seksuele verlangens aan hem opbiecht.

Afwisselende scènes en sterk acteerwerk
Met een scenario dat draait om lange monologen in een kleine lege slaapkamer, is het niet makkelijk om de aandacht van de kijker vast te houden. Regisseur Atiq Rahimi houdt het verhaal echter van begin tot eind spannend. Zo worden de scènes in de slaapkamer afgewisseld door levendige flashbacks en regelmatige interrupties van de buitenwereld, die de jonge vrouw uit haar mijmeringen halen en tot onmiddellijke actie dwingen.

Maar ook tijdens de monologen zelf blijft The Patience Stone (op een paar herhalingen van zetten na) de kijker boeien. Het acteerwerk van Farahani (Darbareye Elly, Body of Lies) draagt hier sterk aan bij. Met een elegante ingetogen acteerstijl speelt zij een personage, dat niet alleen boos, verdrietig en verlangend is, maar ook wisselt tussen hoop, vrees, daadkracht en twijfel over haar eigen situatie. Dit maakt haar handelen even begrijpelijk als onvoorspelbaar, waardoor de kijker regelmatig wordt uitgedaagd zijn verwachtingen bij te stellen.

Recensie The Patience Stone

Steen van geduld
Naast een verhaal over een gefrustreerde vrouw met een zieke man, is de film een duidelijke aanklacht tegen de onderdrukking van moslimvrouwen in Arabische samenlevingen. Het wordt pijnlijk duidelijk dat de protagonist zich voortdurend in onmogelijke bochten moet wringen om te voldoen aan de eisen van de mannen om zich heen, zelfs op het moment dat haar man in coma ligt. De setting van kapotgeschoten huizen, zanderige wegen, lichtblauwe boerka’s en gewapende religieuze milities doet sterk denken aan beelden uit Afghanistan, waardoor de vergelijking met de strenge wetten van de Taliban zich opdringt.

In The Patience Stone is de hoofdrolspeelster niet het enige slachtoffer van onderdrukking. Zo draagt een mannelijke moslimstrijder net als zij de littekens van een repressieve samenleving met zich mee. Rahimi, die in 1984 vanuit Afghanistan naar Frankrijk vluchtte, spreekt zich met de verfilming van zijn boek Syngué Sambour in bredere zin uit tegen de harde masculiene geloofssamenlevingen die beperkend zijn voor de vrijheid van zowel vrouwen als mannen.

De Perzische legende over een geduldige steen die uiteindelijk uiteen barst, is meer dan een metafoor voor een comateuze echtgenoot. Hij staat ook symbool voor onderdrukkende samenlevingen die wellicht vanzelf uit elkaar vallen als je er genoeg kritische films over maakt.

 

15 februari 2013

 
ALLE RECENSIES

Karsu: I hide a secret

****

recensie  Karsu: I hide a secret

Fascinerende Bildungsdocu over Nederlandse Norah Jones

door Joan Gebraad

Al twee keer stond ze in de befaamde Carnegie Hall. Muziekkenners noemen haar de Nederlandse Norah Jones: Karsu Dönmez. Wie is deze tweeëntwintigjarige jongedame die jazz ademt?

Filmmaakster Mercedes Stalenhoef volgde Karsu drie jaar. De Nederlands-Turkse Karsu begint haar carrière met zangoptredens in haar vaders restaurant Kilim in het Amsterdamse Osdorp. De reacties zijn overweldigend. Stalenhoef toont haar jazz spelend achter de piano in het familierestaurant. Het beeld symboliseert haar dans met twee culturen. Enerzijds is daar de Turkse cultuur, gericht op traditie, gezelligheid en familie. Anderzijds voelt zij zich aangetrokken door de vrijere westerse cultuur. Zo heeft ze een discussie met haar moeder omdat ze graag met vriendinnen naar Istanbul wil. Op familiebezoek in Turkije blijkt dat Karsu en haar zus stiekem een beetje zonnen. Ook vriendjes zijn een heet hangijzer. Een paar keer moet de camera dan ook uit.

Recensie Karsu: I hide a secret

I hide a secret
Karsu’s ouders zien en horen haar ook graag in het Turks zingen zodat zij dat stukje Turkse cultuur behoudt, maar Karsu verdedigt vurig haar Engelstalige jazzrepertoire. In de stilte van de nacht schrijft en musiceert ze passievol haar eigen liedjes over overspelige minnaressen, liefdesverdriet en het niet durven blootgeven van je ware ik. Iedereen wil dolgraag weten in hoeverre haar diepzinnige en donkere teksten zijn gebaseerd op haar privéleven, maar ‘mijn muziek gaat nooit over mij’, houdt Karsu vol. Ze is bevreesd haar innerlijke wereld bloot te geven.

Van afwijzing tot platencontract
Muziek is een van de grote liefdes in haar leven. Ze groeit erin. Zo toont Stalenhoef een zenuwachtige Karsu als ze auditie voor het conservatorium doet. Tot haar teleurstelling wordt ze afgewezen. Haar teksten zijn zo volwassen, zij is zo jong. Karsu knokt verder. Het ene moment staat ze in een intiem studentenfestival in Leiden, later als zelfverzekerde leading lady op een groot podium in Carnegie Hall. Als haar succes groeit, staan muziekproducenten voor haar in de rij en onder streng toezicht van haar ouders krijgt Karsu uiteindelijk wat zij wil: een platencontract.

Recensie Karsu: I hide a secret

Transformatie
Karsu: I hide a secret is een ontroerende en herkenbare Bildungsdocu met mooie beelden over een tienermeisje dat haar grenzen aftast en zichzelf zoekt. Karsu’s strijd met Turkse tradities en moderne westerse waarden maakt deze documentaire extra interessant. De soms eigenwijze tiener, die stiekem muziek luistert tijdens een saaie economieles en gek wordt van haar beschermende ouders, verandert geleidelijk in een jonge zelfbewuste vrouw die haar publiek met plezier verleidt. Het is nu alleen nog wachten tot Karsu haar grote geheim prijsgeeft.

 

11 februari 2013

 

ALLE RECENSIES

Ontmaagding van Eva van End, De

****

recensie  De ontmaagding van Eva van End

Rake komedie rond volmaakte Deutsche Bube

door Astrid van Pelt

Anders dan de titel suggereert, grossiert De ontmaagding van Eva van End niet in seksscènes en beginnersgeklungel. Wel drijft de film op ongemakkelijke momenten. Dat zorgt voor plaatsvervangende schaamte en lachsalvo’s.

Het enigszins zonderlinge gezin Van End lijkt het leven aardig op orde te hebben: groot vrijstaand huis, zwembad in de tuin, drie kinderen en een redelijk gezinsinkomen. Wanneer de 15-jarige Eva zonder medeweten van haar ouders haar Duitse uitwisselingspartner Veit mee naar huis neemt om hem twee weken onderdak te bieden, leidt dat tot veel stress en protest bij haar nietsvermoedende ouders. Na een korte woordenwisseling met Eva (Vivian Dierickx) die in de hele film niet meer dan een paar zinnen spreekt, gaat moeder Etty (Jacqueline Blom) overstag: ‘welkom in our family dan maar’.

Jeugdtrauma
Veit (Rafael Gareisen) is in alles het tegenbeeld van de familie Van End. Deze perfecte Deutsche Bube heeft de halve wereld al afgereisd, heeft een mentale karrenvracht aan filosofische bagage, heeft the looks, lijkt een ‘allround expert’, mediteert, heeft heilzame chakra-massagehanden en of dat nog niet alles is: hij is de vriendelijkheid zelve.

Recensie De ontmaagding van Eva van End

Het verhaal is gebaseerd op een jeugdtrauma van de jonge regisseur Michiel ten Horn, die door een tijdelijk bezoek van zijn Duitse uitwisselingsbuddy werd geconfronteerd met zijn eigen onvolkomenheden. Hij heeft deze ervaring als schooljongen perfect vertaald naar de speelfilm. Veit houdt het gezin indirect een spiegel voor en toont hen hun bekrompenheid, hun steenkolen Engels, maar vooral hun algehele imperfectie, alleen maar door zichzelf te zijn en te vertellen wat hem bezighoudt en fascineert. Dit resulteert in een onophoudelijke reeks pijnlijke momenten, die vaak erg lachwekkend zijn, maar binnen de realistische kaders blijven. Dit komt de identificatie ten goede.

Gluiperig
Het gezin en Veit versterken elkaars eigenaardigheden. Het scherpe contrast zorgt voor het komische effect, zeker wanneer je de situatie vanuit het perspectief van de andere partij bekijkt. Wanneer Veit zich ’s ochtends vroeg in het zweet werkt om de vrouw des huizes een ontbijt voor te zetten waar een vijfsterrenrestaurant nog aan kan tippen (‘this is for you Etty, because you deserve it’), wordt zijn gluiperigheid pas duidelijk nadat een van de broers ‘what the fuck is this?’ roept.

De film bestaat uit korte, rake scènes. Hierbij wordt het verbale en visuele slim gecombineerd. De haast surrealistische shots van de omgeving of de familie, die soms doen denken aan de films van Van Warmerdam, leiden de aandacht even af van de tenenkrommende interculturele uitwisseling.

Het hele gezin wordt in beweging gezet door de komst van Veit, met soms destructieve gevolgen: vader gaat staat op het punt vijfduizend euro gemeenschappelijk geld naar Afrika te sturen, moeder specialiseert zich in oosterse wijsheden, en zoon Evert gaat zijn acne met een huishoudschaar te lijf. De Duitse uitwisselingsstudent zelf is niet te betrappen op een foute actie of een geheime agenda, en dat maakt het frustrerend en fascinerend tegelijk. Tot het eind vraag je je af: wanneer valt hij door de mand?

 

9 februari 2013

 
ALLE RECENSIES

Cheerful Weather for the Wedding

**

recensie  Cheerful Weather for the Wedding

Ingehouden romantiek

door Cor Oliemeulen

Op de dag van haar huwelijk weet een meisje dat ze een grote vergissing zal begaan. Het soms komische drama Cheerful Weather for the Wedding keuvelt lekker door tot de onvoorspelbare finale, maar verrast te weinig onderweg.

Ruim tachtig jaar nadat Julia Strachey het gelijknamige boek schreef, heeft het thema nauwelijks aan verbeeldingskracht ingeboet. De aanstaande bruid is onzeker en leegt haar maag boven de wc-pot. Dolly (Felicity Jones) sluit zich vervolgens op boven in haar slaapkamer met een fles rum in een poging haar innerlijke strijd te neutraliseren. De grote vraag is of het (volgens kenners) poëtisch geschreven grimmige verhaal goed tot zijn recht komt op het witte doek. Debuterend regisseur Donald Rice doet zijn best, maar staat voor een lastige opgave.

Cheerful Weather for the Wedding

Chaotische taferelen met venijnige opmerkingen
Beneden in het landhuis wachten familie, vrienden en personeel gespannen totdat Dolly in haar prachtige trouwjurk de trap zal afdalen. Het gemengde gezelschap is een circus met chaotische taferelen en venijnige opmerkingen, maar de emoties blijven allemaal keurig binnen de perken, zoals dat hoort in de jaren dertig. De komst van Dolly’s ex-geliefde Joseph (Luke Treadaway) zet de boel op scherp. Vooral bij Dolly’s moeder (Elizabeth McGovern) die een hekel heeft aan de enigszins pedante Joseph en in de degelijke maar saaie Owen een meer geschikte echtgenoot ziet.

De scènes van de trouwdag ademen een kille, winderige, regenachtige atmosfeer. Iedereen oogt wat verfomfaaid en eenmaal binnen zijn er drank en spijzen, echter warm en gemoedelijk wordt het zelden. Plichtplegingen zijn gelardeerd met bijtende opmerkingen. Het levert een potpourri van snelle gebeurtenissen en conversaties op. Erg Engels, soms grappig, maar te onrustig en warrig om werkelijk te fascineren. De flashbacks, geschoten met warme tinten in de laatste zomer, blijken veel gemakkelijker verfilmbaar en vormen een mooi contrast. In pittoreske shots wordt langzaam duidelijk hoe Dolly en Joseph samen een gelukkige tijd doorbrengen. Hoewel je voor de eerste kus wel bijna een uur geduld moet hebben.

Cheerful Weather for the Wedding

Meer huilebalk dan romanticus
De verfilming Cheerful Weather for the Wedding oogt wat onaf. Niet in de laatste plaats omdat het de twee hoofdpersonages nauwelijks lukt veel sympathie op te wekken. Dolly is ondoorgrondelijk en egoïstisch, Joseph is over het paard getild en praat een tikkeltje te geaffecteerd. Uiteindelijk gedraagt hij zich meer als huilebalk dan als onvervalst romanticus. De kleinere rollen (Dolly’s zus Kitty die schreeuwt om mannelijke aandacht en dominee Oom Bob die vrouwen lieve woordjes toefluistert) zijn veel interessanter, maar bieden evenmin veel houvast. Toch zal het verhaal bij liefhebbers van ingehouden romantiek de nodige weemoed en spanning oproepen. Zeker omdat Dolly maar niet kan kiezen met wie ze haar leven wil delen.

 

8 februari 2013

 

 

ALLE RECENSIES
 

Reality

***

recensie  Reality

Vrolijke Italiaanse film met absurde bite

door Eva Baaren

Wat doe je als je zeker weet dat je beroemd wordt, maar het verlossende telefoontje steeds maar op zich laat wachten? Tegenstellingen tussen het verlangen naar roem en de realiteit van het leven in een humoristische Italiaanse film met een rauw tintje.

Als de uit Napoli afkomstige visboer Luciano (Aniello Arena) door zijn kinderen aangespoord wordt om deel te nemen aan de tv-realityshow Big Brother doet hij voor de grap auditie. Na twee succesvolle rondes begint voor hem, zijn familie en zijn dorpsgenoten het lange wachten op de uitslag. Maar hoe langer het verlossende telefoontje uitblijft hoe meer hij zijn grip op de realiteit verliest en hoe meer zijn familieleden hun grip verliezen op hem.

Italiaanse lelijkheid
In Reality zien we een grote Zuid-Italiaanse familie, chaotische discussies, een schattig dorpsplein, eigenwijze oude vrouwtjes, Mariabeelden, kleine zwembaden en slecht televisie-entertainment. Voeg hieraan een kleurenfilter toe en je hebt de nieuwste film van Matteo Garrone (First Love, Gomorra): een Italiaanse setting met magisch tintje waarin iemand makkelijk zijn realiteitszin verliest.

Recensie Reality

Maar Garrone zou Garrone niet zijn als de film niet ook een rauwe kant zou hebben. Net als in Gomorra zet Garrone een beeld neer van een arm Zuid-Italië waar het leven hard is en de verlangens naar een rijker leven groot. De verzadigde kleuren dragen hieraan flink bij, samen met te dikke familieleden in te krappe kleren, afgebladderde muren en troosteloze uitgaansgelegenheden. De rauwe lelijkheid dient in Reality eerder een komisch dan een tragisch doel: ze zorgt voor een bijna absurde wereld waarin Luciano’s verlangen naar echte roem in contrast staat met de dagelijkse kitscherige neproem waarvan zijn familie zich (van) bedient.

Hoop, geloof en familieliefde
Dat een protserige familie uiteindelijk toch beter is dan een de illusie van roem, maakt Garrone op subtiele manier duidelijk. De beweeglijke camerashots op ooghoogte van de acteurs maken de kijker tot een toevallige passant in het verhaal. Ze volgen niet alleen Luciano, maar ook de reddingspogingen en gesprekken van Luciano’s gezin en familie, die hem ondanks zijn gedrag proberen te ondersteunen en bij te sturen.

Het zijn deze pogingen en een reeks verwijzingen naar katholieke waarden die een duidelijke moralistische hint geven op de vraag wat realistisch, echt betekenisvol is en wat slechts een onbelangrijke illusie. Deze hint komt echter eerder bij de kijker aan dan bij de hoofdpersoon. De afloop van de film blijft daarom onzeker.

 

6 februari 2013

 
ALLE RECENSIES

Matterhorn

****

recensie  Matterhorn

Pas-de-deux

door Cor Oliemeulen

Duizendpoot Diederik Ebbinge vervolgt zijn carrière van cabaretier van De Vliegende Panters, acteur, columnist en regisseur van theaterstukken en korte films met een veelbelovend speelfilmdebuut.

Hij schrijft en regisseert een tragikomedie over de strenggelovige Fred, die zijn dagen slijt in een bekrompen gehucht. Voor de buitenwereld aanvankelijk een rustig en degelijk type, achter de gordijnen een man die wegkwijnt in eenzaamheid na de dood van zijn vrouw en het verlies van zijn zoon. Een ontmoeting met een zwerver verschaft hem de moed te ontsnappen uit zijn benauwende bestaan op zoek naar vriendschap.

Matterhorn

Verlichtingsverhaal
Het gegeven van de zwerver die het leven van de toevallige passant opnieuw zin geeft, is al zo oud als City Lights (1931) waarin vagebond Charlie Chaplin een depressieve miljonair van de verdrinkingsdood redt en en passant het hart van een blind bloemenmeisje verovert. Matterhorn is een persoonlijk verlichtingsverhaal waarin de ontwikkeling en het komen tot inzicht van de hoofdpersoon voorop staat. Volgens Ebbinge gaat het niet zozeer over het losbreken uit een religieuze dogmatiek; zoiets laat hij liever over aan schrijver Maarten ’t Hart.

De vraag is hoeveel tijd, moeite en innerlijke strijd het kost om tot nieuwe inzichten te komen. En hoezeer je daarvoor een spiegel nodig hebt in de vorm van een ander persoon. Voor Fred is de zwerver de spiegel. Voor hem is het niet van belang dat hij geen gesprek kan voeren met een zwakbegaafde man, die zich beperkt tot het uitkramen van een incidenteel ‘ja’ en het geluid van geiten en kippen. Voor Fred is de zwerver meer dan alleen de ideale figuur om enige structuur bij te brengen, hij is vooral essentieel om Fred uit het zinledige te trekken.

Matterhorn

Uitgekotst
Een vergelijking met de absurde zwarte komedies van eigenzinnig landgenoot Alex van Warmerdam ligt op de loer. Ook Matterhorn speelt zich weliswaar af in een kleine gemeenschap met zonderlinge, realistische figuren in onalledaagse situaties, echter de typische absurditeiten met de zwarte humor maken ruim baan voor meer tragiek. Zo begint Fred als de Barmhartige Samaritaan omdat hij een hulpeloze onderdak verleent, maar wordt allengs uitgekotst door de hypocriete dorpsmeute nadat de zwerver zich in kleren van zijn overleden vrouw buiten op een trapveldje vertoont. Freds strohalmen zijn flessen jenever, een reis naar de Zwitserse alpentop Matterhorn, waar hij zijn vrouw ten huwelijk vroeg, en het samenzijn met de zwerver.

Het eenvoudige verhaal heeft een slot dat het verdient en doet wonderen door de fantastische chemie tussen Ton Kas (Fred) en René van ’t Hof (zwerver), die al samen speelden in Ebbinge’s korte films Succes (2008) en Gewoon Hans (2009). Beide acteurs zijn gepokt en gemazeld in het theater en dat werpt zijn vruchten af in deze ‘kleine’ film. Het duo maakt van Matterhorn een acteerfeestje met een perfect gevoel voor non-verbale communicatie.

 

3 februari 2013

 
ALLE RECENSIES

Man With The Iron Fists, The

***

recensie  The Man With The Iron Fists

Aziatische kung fu zwaardfilm uit Hollywood

door Alfred Bos

Rapper, producer en liefhebber van Aziatische knokfilms RZA waagt zich met de zegen van Quentin Tarantino aan… een Aziatische knokfilm, maar dan uit Hollywood. Over zijn regiedebuut zijn de meningen sterk verdeeld.

Wie de loopbaan van RZA (Robert Diggs) de afgelopen twintig jaar, sinds Enter The Wu-Tang (36 Chambers) , het debuutalbum van het Newyorkse rap collectief Wu-Tang Clan uit 1993, een beetje heeft gevolgd, zal het niet verbazen dat de rapper, producer en acteur plaatsneemt op de regisseursstoel om zijn eigen, zelfgeschreven kung fu zwaardfilm naar het filmdoek te brengen. Over het resultaat kun je twisten, RZA’s liefde voor het genre is boven alle twijfel verheven.

Man With The Iron Fists

Al is Iron Fists zijn eerste werkstuk als regisseur, cinema is voor RZA geen onbekend terrein. Voor zijn debuut als acteur, in Ghost Dog: The Way Of The Samurai (1999) van Jim Jarmusch, bleef hij dicht bij zijn belangstelling. Bevriend met Jarmusch en Tarantino leverde RZA muziek aan voor filmsoundtracks van beide regisseurs. En de lijst films en tv-producties waarin hij acteerde heeft inmiddels de lengte van een (getatoueerde) arm overschreden. Je zou kunnen denken: de man is klaar voor het grote werk.

Filmische ‘exotica’
The Man With The Iron Fists is een krankzinnige film, of eigenlijk, een curiosum. Het genre van de kung fu zwaardfilm, wuxia in jargon, is een exclusief Aziatische bijdrage aan de wereldcinema. Dat een Afro-Amerikaan vanuit Hollywood zich nu aan het genre waagt, is op zijn minst opmerkelijk; de filmische pendant van wat in de populaire muziek ‘exotica’ wordt genoemd. Vergelijk het met de Duitse Winnetou-films van begin jaren ’60, waarmee regisseur Harald Reinl de rage van de Europese (spaghetti)western in gang zette. Of Iron Fists  een vergelijkbaar succes wordt, is twijfelachtig. RZA heeft in ieder geval twee nieuwe films in voorbereiding.

Liefhebbers van wuxia zullen zich met The Man With The Iron Fists niet vervelen. Het verhaal stelt, geheel in de traditie van het genre, niet veel voor. De plot ontbeert iedere logica. Personages zijn vleesgeworden clichés. Halverwege is er een film-in-een-film waarin de achtergrond van de hoofdpersoon nader uit de doeken wordt gedaan (want wat doet een Afro-Amerikaan in China?). Het is onduidelijk wie tegen wie vecht, want iedereen vecht tegen iedereen. En voor een beetje dialoog kun je beter naar Gooische Vrouwen kijken.

Man With The Iron Fists, The

Aziatische superheldenfilm
En ondanks al die bezwaren is The Man With The Iron Fists kostelijk vermaak. Visueel staat RZA’s regiedebuut als een (film)huis, de decors zijn rijk aan detail en de knokscènes vol acrobatiek. Voor nuchtere westerlingen zijn de bovennatuurlijke elementen wellicht ongeloofwaardig, maar wuxia is het Aziatische equivalent van de Amerikaanse superheldenfilm. Vervang technologie door magie en er is geen verschil tussen, zeg: The Avengers en Crouching Tiger, Hidden Dragon. Zo bekeken is de titelheld van The Man With The Iron Fists, gespeeld door RZA zelf, een soort kung fu Ironman.

De eerlijkheid gebiedt te zeggen dat niet iedereen ter redactie van Indebioscoop drie sterren voor deze film over heeft. Sommige filmliefhebbers grijpen naar een teiltje wanneer Iron Fists ter sprake komt. Anderen, onder wie deze kijker, kunnen er de lol wel van inzien. Maar verwacht geen Kung Fu Panda. O ja, Russell Crowe en Lucy Liu doen ook mee.

 

2 februari 2013

 
ALLE RECENSIES

Flight

****

recensie  Flight

Persoonlijk drama met lichtvoetige twist

door Eva Baaren

Piloot Whip Whitaker zet een haperend passagiersvliegtuig zonder al teveel doden aan de grond. Zijn status als heldhaftige piloot maakt echter snel plaats voor verdenkingen van dronkenschap. Flight is een onconventionele film over schuld, boete, zelfbestemming en het lot.

In Flight ontbreekt het niet aan het bekende vliegrampscenario: een piloot houdt met halsbrekende toeren een vliegtuig in de lucht, terwijl een groep passagiers en stewardessen angstige momenten doormaakt. De rest van de film lijkt echter weinig op een klassieke rampenfilm. In plaats van een Hollywoodvertelling over een vliegtuigcrash creëert regisseur Robert Zemeckis (Back to the Future, Forrest Gump) een sfeer die het midden houdt tussen een lichtvoetige independent film en een persoonlijk drama, waarvoor het vliegincident slechts de aanleiding blijkt.

Flight

Niet opgewekt
Het lichtvoetige karakter van Flight wordt onder andere gevormd door de aanwezigheid van een tweede verhaallijn en de verschijning van ongewone typetjes. Eén ervan wordt gespeeld door John Goodman (Roseanne, The Big Lebowski), wiens verschijning als Whitakers goed gemutste hippieachtige cocaïnedealer een rode draad vormt in de film. Ook de soundtrack, een sterke mix van 40 jaar aan rock en soul, geeft de film van begin tot einde een opzwepende vrolijke toon.

Maar de ongewone personages en vrolijke muziek betekenen niet dat Zemeckis een opgewekte film heeft gemaakt. Integendeel, deze elementen staan symbool voor het eigenlijk trieste leven van captain Whitaker, dat – los van zijn competenties als piloot – in het teken staat van oppervlakkige relaties en overmatig alcoholgebruik. De rol van Whitaker wordt op meesterlijke wijze vertolkt door Denzel Washington, die de eigenschappen van een onbetrouwbare, verslaafde, welwillende, met zichzelf worstelende én bekwame piloot verwerkt tot een geloofwaardig personage.

Flight

Goed uitgewerkt persoonlijk drama
De onconventionele filmelementen en het sterke acteerwerk van Washington maken Flight tot een goed uitgewerkt persoonlijk drama, waarin de kijker wordt uitgenodigd zich soms te identificeren met Whitaker, maar zich er ook van te vervreemden. Geholpen door filmische verwijzingen naar het christelijke geloof (waaronder een verschijning van een engelachtige terminale ziekenhuispatiënt), roept de film daardoor vragen op over schuld, boete, en lotsbestemming. Flight is een verrassend goede vertelling voor mensen die van rampenfilms houden, maar ook voor mensen die dat niet doen.

 

28 januari 2013

 

 

ALLE RECENSIES

 

NO

*****

recensie  NO

Stem nee en het geluk zal komen

door Mirthe van Lieshout

NO is wat de mensen moeten stemmen bij het referendum over de voortzetting van het regime van Pinochet in 1988 en de titel van de reclamecampagne die dat duidelijk moet maken. Om deze campagne draait het in het laatste deel van de Pinochet-trilogie. Een meesterwerk van de Chileense regisseur Pablo Larraín.

Het sluitstuk over het einde van de dictatuur is heel goed te zien zonder de voorgaande delen, Post Mortem (2010) en Tony Manero (2008), die respectievelijk bij het aantreden van Pinochet en tijdens zijn bewind spelen. Voor de kijkers die wel al bekend zijn met Larraíns films overstijgt NO alle verwachtingen.

Revolutie verkopen als frisdrank
Larraín kiest de reclameman achter de campagne als middelpunt, net als in het nooit uitgevoerde toneelstuk The Referendum  van Antonio Skármeta, waarop hij de film baseert. Die reclameman is Rene Saavedra (Gael García Bernal), die door de oppositiepartijen gevraagd wordt voor het invullen van de dagelijkse vijftien minuten zendtijd, waarop ze voorafgaand aan het referendum recht hebben.

Een moeilijke taak want de oppositiepartijen zijn het onderling nergens over eens, op één ding na. Het volk moet de slechte kanten van Pinochets regime zien: de onderdrukking, de verdwijningen, de moorden. Maar Saavedra kiest voor een heel andere insteek: hij gaat de revolutie verkopen alsof het frisdrank is, met blijdschap, vrolijkheid en grapjes. ‘Stem nee en het geluk zal komen’, is de boodschap.

Recensie NO

Originele beelden vermengd met nieuwe
Terwijl Saavedra en zijn collega ’s aan de opgewekte campagne werken, maakt het regime het hen steeds moeilijker door hun inzendingen te censureren en de leden van het campagneteam te intimideren. Saavedra’s zoontje loopt nu ook gevaar en de twee moeten tijdelijk afscheid nemen. Buiten deze emotionele scène zuigt de film je op door de meeslepende geschiedenis – alsof je het geluk hebt dat er toevallig net een camera is bij dé man die de politieke omslag van een land veroorzaakt.

Dit effect wordt versterkt doordat alles is opgenomen met Ikegami-videocamera’s uit de jaren tachtig, in de traditionele, bijna vierkante verhouding van televisiebeeld (4:3). De originele archiefbeelden van demonstraties en televisiespotjes zijn niet te onderscheiden van de nieuwe beelden. De keus voor zo’n gedateerde beeldkwaliteit is gewaagd maar pakt heel goed uit.

Referendum zet collega’s tegenover elkaar
In Saavedra zien we een apolitiek figuur die een grote politieke rol krijgt. Net als televisie is beeldpropaganda van alle tijden, maar de politieke rol van de tv in Chili in 1988 is vermoedelijk ongeëvenaard. Het hele Chileense volk wordt erbij betrokken. Weinig mensen lijken te geloven in een overwinning van kamp NO.

Ondertussen wordt de sfeer op Saavedra’s werk ook steeds meer gespannen doordat hij komt te staan tegenover zijn baas (Alfredo Castro, hoofdrol in Post Mortem en Tony Manero), die juist als adviseur van de SI-campagne werkt. Deze samenloop met het naderende referendum maakt de film adembenemend spannend.

 

26 januari 2013

 
ALLE RECENSIES

Lincoln

****

recensie  Lincoln

Daniel Day-Lewis for president

door Cor Oliemeulen

Voormalig blockbuster-regisseur Steven Spielberg kan ook met ‘politieke’ avonturen goed uit de voeten. In Lincoln concentreert hij zich op de wilskrachtige strijd van een geliefde president die eindigt als martelaar.

Wie denkt dat Lincoln een biografie van de zestiende president van de Verenigde Staten van Amerika is, komt bedrogen uit. De film beslaat slechts enkele maanden uit het leven van deze vrijzinnige republikein die ten koste van de Burgeroorlog de slavernij wil afschaffen. Nadat in de openingsscène soldaten van noordelijke en zuidelijke staten elkaar de hersens inslaan, zien we de immens populaire Lincoln gemoedelijk zitten aan het front. Hij ontvangt zowel blanke als zwarte soldaten voor een praatje en blijkt niet wars van grapjes, anekdotes en dichterlijke wijsheden.

Lincoln

Lange geschiedenisles
Direct hierna volgt een trage geschiedenisles met lange scènes vol politieke dialogen en monologen over het wel of niet afschaffen van de slavernij. Aan de teksten en het spel ligt het niet, maar de introductie van bijna een uur had wat korter gemogen. Het is wel opletten geblazen, zeker voor Europeanen, want soms denk je: wie is wie? Lincoln is in ieder geval vanaf het eerste moment goed te herkennen. Zoals we hem zien op foto’s: rijzige gestalte met hoge hoed en snorloze baard.

Als hij in 1860 wordt gekozen, scheiden de zuidelijke staten (de Confederatie) zich af van de Unie vanwege Lincolns moderne beleid, afschaffing van de slavernij inbegrepen. Het knappe script van Tony Kushner (gebaseerd op het boek Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln van Doris Kearns Goodwin) schetst een aimabele Lincoln die ook een groot politiek tacticus is. Een staatsman die vanuit menselijk oogpunt de slavernij wil afschaffen en niet te beroerd is om politici te laten chanteren of omkopen om dit nobele doel te bereiken.

13e Amendement
De achterliggende politieke reden komt nauwelijks aan bod. Lincoln wilde namelijk ook Engeland en Frankrijk paaien. Deze landen hadden allang de slavernij afgeschaft en wilden dat Amerika spoedig hetzelfde zou doen. Zodra alle slaven in heel het land vrij zouden zijn, zou het buitenland volgens Lincoln geen morele reden hebben zich in de burgeroorlog te mengen. In feite gaat bijna de hele film over de poging om de nieuwe grondwet door middel van het zogenaamde 13e Amendement in te voeren. Krijgt Lincoln in 1865 de vereiste twee derde meerderheid in het Huis van Afgevaardigden voor elkaar?

Lincoln

Blijft over een boeiende en bij vlagen uiterst spannende en geestige queeste. Een heerlijk sarcastische Tommy Lee Jones als Thaddeus Stevens, leider van de radicale vleugel van de Republikeinen die fel tegen slavernij is. Rake, emotionele debatten tussen voor- en tegenstanders (‘Stel je voor: straks krijgen ook vrouwen nog stemrecht!’ ), ruzies en paniekreacties in het kabinet (‘We verliezen alles!’ ) worden afgewisseld door familieperikelen in Huize Lincoln (‘Onze enig overgebleven zoon mag niet naar het front!’ ).

Subliem acteren
Daniel Day-Lewis steelt op imponerende wijze de show en bevestigt dat hij een van de grootste acteurs van zijn tijd is. Hij speelt niet Lincoln, hij ís Lincoln. Zijn sublieme ingehouden manier van acteren is nog intenser dan hij tentoonspreidt als verlamde artiest in My Left Foot (1989), sadistische slachter in Gangs of New York (2002) en hebberige oliedelver in There Will be Blood (2007). Je weet het nooit zeker met die grijze koppen van de Academy, maar als Daniel Day-Lewis geen Oscar wint, eet deze recensent zijn hoed op (inderdaad, die hoge van Lincoln)!

 

25 januari 2013

 
ALLE RECENSIES