Prince, The

*

recensie  The Prince

Jason zónder de Argonauten

door Cor Oliemeulen

Man zoekt dochter – STOP – man vindt dochter – STOP – schurk zoekt dochter man – STOP – schurk vindt dochter man – STOP – man zoekt opnieuw dochter – STOP – man vindt schurk – STOP – zoekende dochter vindt man schurk – STOP.

Bruce Willis zei nog niet zo lang geleden in een interview dat hij onderhand wilde stoppen met het spelen in actiefilms. De inmiddels 60-jarige Amerikaanse acteur, die een bijna legendarische status verwierf met Die Hard, hield dat voornemen maar even vol: hij zou inderdaad niet meer participeren tussen het half dozijn afgeleefde actiehelden in het derde deel van The Expendables.

Recensie The Prince

Niet omdat Bruce plotseling serieus acteur wilde worden – de eerste en enige aanzet hiertoe was eind vorige eeuw in The Sixth Sense – maar omdat hij naar verluidt één miljoen dollar had geëist voor enkele minuten deelname aan dit vehikel voor overjarig schiettuig. En aangezien ook op Huize Willis de schoorsteen moet blijven roken, draafde hij op voor The Prince van Brian A. Miller. Een regisseur met een onmiskenbaar groot talent: op miraculeuze wijze krijgt hij het voor elkaar om flutactiethrillers een onmiddellijke dvd-release te besparen.

Scheerapparaat
Hoofdpersoon van The Prince is Jason Patric, die al jaren zijn stinkende best doet om B-acteur te worden. Om er een beetje ruig uit te zien, heeft de regisseur een paar dagen Jasons scheerapparaat verstopt. Jason is niet erg groot, wel gespierd, maar voor de zekerheid schilderen we nog maar even een kolossale vogeltattoo op zijn rug. De doodskop op zijn hand betekent volgens het andere gespuis dat het kwaad kersen eten is met deze gozer. Jason mag dan wel doen alsof hij een geboren automonteur is, in werkelijkheid is hij jaren geleden gevlucht uit New Orleans. Als The Prince heerste hij in de meest duistere spelonken waar hij zich ontpopte als onaangenaam gezelschap voor agressieve opponenten, die vast meteen hun broek vervuilen zodra ze hem weer zouden tegenkomen.

Jason moet inderdaad terug, en de wasmachines beginnen al direct op volle toeren te draaien. We zullen niet veel prijsgeven, maar de rest van de film gaat over een contactarme man met een queeste die zich schietend een weg baant om het maagdenvlies van zijn dochter te redden. We zullen niet verklappen of dit lukt, maar het komt er uiteindelijk op neer dat Jason – na het enige vuistgevecht met de enige Aziaat in het vijandelijke kamp – oog in oog komt te staan met Bruce Willis, die tegenwoordig zo slecht met een vuurwapen overweg kan dat hij The Expendables 4 sowieso kan schudden.

Recensie The Prince

Stout
Wat is er dan gebeurd? Jasons dochter is stout geweest. Ze heeft stiekem de collegezaal verruild voor het drugshok van rapper 50 Cent. In de geest van Travis Bickle in Taxi Driver, probeert Jason haar te bevrijden, zij het dat Robert de Niro acteerde, Jason níet kan acteren en de regisseur geen Scorsese heet, maar wel feilloos het ene cliché op het andere weet te stapelen. Miller telefoneert eerst voordat hij iets laat gebeuren, moet werken met het meest afgezaagde script sinds Calimero gaat op Reis en verbijstert ons met John Cusack die kennelijk stijf staat van de botox. Cusack figureert nog emotielozer dan de jonge spaghettiwesternheld Clint Eastwood – van wie regisseur Sergio Leone ooit zei dat die acteur slechts twee gezichtsuitdrukkingen bezat: een mét en een zónder hoed.

Het is verspilde moeite en een aanslag op het gezonde verstand om nog meer woorden vuil te maken aan The Prince. De aftiteling vermeldt ruim tweehonderd personen waaronder ‘second second assistant director’ Sonia Torres, die niet eens stottert. Er is inmiddels een telegram onderweg naar de filmmaatschappij om af te zien van een vervolg op een van de ellendigste koningsdrama’s uit de Amerikaanse actiemythologie.

 

12 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Alphabet

***

recensie Alphabet
Modern onderwijs als grote boosdoener

door Karina Meerman

Ontluisterend beeld van het huidige onderwijssysteem, dat mensen opleidt tot gehoorzame werkers en ze hun creatieve vermogen ontneemt. 

In 2006 gaf Sir Ken Robinson een lezing bij TED, genaamd ‘Do school kills creativity?’ Zijn antwoord was een onderbouwd en overtuigd ‘ja’. Deze monoloog was de inspiratie voor Alphabet, een documentaire van filmmaker Erwin Wagenhofer over het huidige onderwijssysteem, dat de nadruk legt op scores en resultaten en niet op het ontplooien van talenten. Sterker nog, onderwijst beperkt het denken van kinderen omdat ze worden gedrild in het geven van het juiste antwoord op de juiste vraag.

Recensie Alphabet

Afgericht
Alphabet opent met het voorbeeld van China, waar de druk om goede cijfers te halen steeds hoger wordt. Bedrijven die kinderen helpen hun examens goed te maken, verdienen grof geld en een aantal is zelfs beursgenoteerd. Examens zijn een economische factor geworden. De beelden suggereren dat de kinderen op een bijna militaristische manier worden afgericht. Dat idee wordt versterkt door Duitse neurobioloog Gerald Hüther, die uitlegt dat scholen van nu een afspiegeling zijn van vroegere tijden. De industrialisatie had jonge mensen nodig die machines konden bedienen en daar werden ze ook voor opgeleid: voor het opvolgen van instructies. Loyale werkers, dat is wat de economie nodig had. En de terminologie van moderne bedrijven lijkt wel afkomstig uit het leger van toen: markten veroveren, tegenslagen incasseren, strategieën aanpassen en middelen inzetten (lees: mensen).

Angst
Scores en toetsen, daarop worden jonge mensen gestuurd. De internationale graadmeter voor educatieve kwaliteit is de PISA-score. De OESO (Organisatie voor Economische Samenwerking en Ontwikkeling) test 15-jarigen in zestig landen op het gebied van lees – en rekenvaardigheid en wetenschap, met een nadruk op wiskunde. Een relatief lage PISA-score was aanleiding voor Duitsland om in 2002 zijn hele onderwijssysteem te herzien. Wanneer in de media wordt gesproken over de teruglopende kwaliteit van Nederlandse educatie, bedoelt men over het algemeen onze dalende positie op de PISA-ladder. De achtergrond is angst, aldus de neurobioloog, angst die we erven van onze ouders.

Werk
Wie niet de juiste papieren kan laten zien, heeft moeite om te overleven. Dat was het verhaal van de Duitse jongen die alleen stages kan krijgen en acht euro per dag verdient. Wat je talenten zijn is niet belangrijk, maar wat je hebt gescoord op school. Een Duitse studente leest een brief voor, waarin ze zegt dat haar opleiding ten koste gaat van haar jeugd. Zij en haar vrienden hebben nooit meer tijd om te spelen of om in de zon te liggen. Studeren moeten ze en hoog scoren, anders verliezen ze de kans op een goede baan. Banen die in een veranderende wereld juist vragen om creatief denken en analytisch vermogen, maar die steeds moeilijker te vinden zijn.

Recensie Alphabet

Liefde
In deze deprimerende documentaire vinden we twee verheugende verhalen. Gitaarmaker André Stern heeft geen opleiding, maar kreeg van een meester de kans om zich te ontwikkelen tot excellente gitaarbouwer. Hij heeft zijn zelfvertrouwen te danken aan het feit dat hij nooit naar school is gegaan, zegt hij zelf. Dit is een echo van Pablo Pineda (Yo, También), de enige Europeaan met Downsyndroom die een universitair diploma behaalde. “Omdat ik een paar leraren had die me behandelden als iemand met potentieel. Zo eindigt de angstcultuur en begint een cultuur van liefde.”

Misschien dat Alphabet onderwijsdeskundigen aanspoort tot verandering. Dat dit nodig is, brengt de documentaire wel over, zij het in traag tempo. Echte oplossingen worden niet gegeven, maar misschien zijn die er ook nog niet. Wie alleen zijdelings interesse heeft in de kwaadaardige kant van onderwijs, kan volstaan met de ontroerende TED-talk van Sir Robinson. URL: https://www.youtube.com/watch?v=iG9CE55wbtY

 

12 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Clouds of Sils Maria

***

recensie  Clouds of Sils Maria

Acteren met je hoofd in de wolken

door George Vermij

Clouds of Sils Maria is opgebouwd uit interessante tegenstellingen die samenkomen in een mooie, maar steriele film over het mysterie van acteren.

Maria Enders (Juliette Binoche) is een gevestigde actrice die naar Zwitserland reist met haar PA, Valentine (Kristen Stewart), om een oude toneelschrijver op te zoeken. Hij gaf Maria ooit een belangrijke rol in een toneelstuk waarin zij zou doorbreken. Nu is zij ouder en ondanks haar succes, maakt zij zich zorgen over haar leeftijd en haar positie in het vak. 

Recensie Clouds of Sils Maria

De schrijver pleegt zelfmoord, terwijl Maria heeft besloten om in een nieuwe versie te spelen van het stuk waarmee zij ooit bekend werd. Er is wel één groot verschil. Ooit speelde zij de jonge femme fatale op wie een uitgebluste oudere vrouw viel. Een labiele Amerikaanse ster (Chloë Grace Moretz) krijgt in de nieuwe bewerking de rol van de manipulatieve verleidster. Maria speelt wegens haar leeftijd het oudere personage die kampt met een midlifecrisis en die snakt naar jeugdige vitaliteit.

Bij het Zwitserse Sils Maria oefent Maria haar teksten met Valentine, terwijl zij het hebben over de Lindsay Lohan-achtige praktijken van haar tegenspeelster. Ondertussen ontstaan er spanningen tussen Maria en Valentine als de rollen en hun karakters steeds meer in elkaar verstrengeld raken.

Kwetsbare maskers
Voor mannelijke regisseurs zijn actrices altijd fascinerende schepsels om te observeren. Clouds of Sils Maria valt daarmee overduidelijk in een lange traditie. Denk daarbij aan de films van Ingmar Bergman waar acteren en de kwetsbaarheid van de psyche vaak samengaan, zoals in het sublieme Persona (1966). De spanning tussen beide hoofdpersonen in die film komt deels terug in Clouds of Sils Maria. 

Regisseur Olivier Assayas is als criticus (hij schreef jaren voor het toonaangevende Cahiers du Cinéma) natuurlijk ook bekend met het werk van John Cassavetes. In zijn Opening Night (1977) worstelt een oudere actrice ook met de rol van een oude vrijster in een toneelstuk. Cassavetes geeft in de film een indrukwekkend en beklemmend inkijkje in het creatieve proces en de complexe relatie tussen acteurs, regisseur en toneelschrijver.

Clouds of Sils Maria is minder sterk dan die meesterwerken. De sfeer is afstandelijk en niet rauw genoeg. Dat ligt deels aan het mooie, maar steriele camerawerk dat de Zwitserse Alpen en de personages mooi weet te vangen. Stilistisch probeert Assayas wat afwisseling te creëren door een vreemd maar overbodig segment waarin Valentine’s psychologische kwetsbaarheid wordt getoond door middel van een wazige montage en de psychedelische klanken van Primal Scream. 

Recensie Clouds of Sils Maria

Ingetogen, soms subtiel
Daarnaast is het acteerwerk iets te ingetogen, met kleine momenten van emotionele uitspattingen. Je zou het subtiel kunnen noemen, maar het betrekt je niet altijd even sterk in de gevoelswereld van de personages. Stewart weet in haar spel nog het meest te overtuigen als schijnbaar capabele PA die gaandeweg de druk niet aankan. Zij gooit met haar rol een atoombom op haar imago van Twilight-ster en lijkt duidelijk voor een nieuwe weg te kiezen. 

De film is nog wel interessant in zijn gelaagdheid en het meta-aspect (overlappingen met de realiteit) dat wordt aangekaart. Het is natuurlijk niet voor niets dat Assayas twee Hollywood-sterren heeft gevraagd voor zijn Europese arthouse film. Die tegenstelling zie je ook terug in de film zelf, waar Maria met Valentine kibbelt over de esthetische waarde van commerciële cinema en wat goed acteerwerk is. Assayas waagt zich zelfs aan het persifleren van een superheldenfilm en een talkshow hoewel het resultaat niet echt overtuigt. Tegenover film staat weer de highbrow wereld van het theater. En tegenover Maria’s prestigieuze imago en leeftijd staan de drank- en drugsperikelen van de jonge Hollywood-ster die breed worden uitgemeten in de media.

Als filmmaker lijkt Assayas altijd geïnteresseerd te zijn in hoge en lage cultuur. Zo maakte hij naast serieuze drama’s zoals L’heure d’été (2008) arty thrillers zoals Demonlover (2002), Boarding Gate (2007) en de miniserie Carlos (2010). In Clouds of Sils Maria komen de tegenstellingen uiteindelijk samen en worden zelfs inwisselbaar. Het is die inwisselbaarheid die de angel vormt van het verhaal, waar naast rollen en culturele voorkeuren ook mensen inwisselbaar zijn. Het is die relativerende, maar ook realistische boodschap die uiteindelijk wordt prijsgegeven in de verrassende conclusie van de film.

 

8 september 2014

 

 

ALLE RECENSIES

Watermark

****

recensie  Watermark

Eindeloze stroom van het leven

door Wouter Spillebeen

De mens vormt het water en het water vormt de mens. Dat zeggen regisseur Jennifer Baichwal en fotograaf Edward Burtynsky in Watermark, een prachtig document over de verbintenis tussen de samenleving en de noodzakelijke nattigheid. 

De cameraploeg van de Canadezen Baichwal en Burtynsky volgt verscheidene mensen die beroepshalve van of op het water leven. Poolreizigers in Groenland die klimaatschommelingen in kaart brengen aan de hand van eeuwenoud ijs, landbouwers in Texas die met hun revolutionair irrigatiesysteem het lokale grondwater hebben uitgeput en een visser uit een paaldorp die leeft van wat de zee hem brengt.

Recensie Watermark

Eward Burtynsky zelf, wereldwijd bekend van zijn grootformaat foto’s van industriële landschappen, fotografeert oude Indische waterputten en rivierdelta’s voor zijn boek ‘Water’. Ook zien we de bouw van de controversiële Drieklovendam in de Chinese Jangtsekiangrivier, de grootste waterkrachtcentrale ter wereld. Elke ontmoeting toont aan dat de manier waarop de mens met water omspringt zowel leven als verwoesting in de hand werkt.

Controverse
Ondanks de sociaal- en milieubewuste boodschap over het vervuilde of verdwijnende water die de rode draad van deze documentaire vormt, zijn de makers verrassend onkritisch wanneer het gaat over de Drieklovendam. Door de enorme impact op het landschap is die zeer omstreden, maar wanneer Baichwal een leider van het bouwproject ondervraagt, rept ze er met geen woord over. Wie geen voorkennis heeft over de dam zou zich niet van controverse gewaar zijn. Het ene moment voeren de makers met plezier een oude Indiaanse vrouw op die klaagt over een opgedroogde lokale rivier, het andere moment is de camera een vlieg op de muur, de kijker krijgt de kans zelf een mening te vormen.

Milieubewust
Watermark is een logisch vervolg op de vorige samenwerking van de documentairemaakster en de fotograaf: het indrukwekkende Manufactured Landscapes. Daarin reisden de twee naar China om aan te tonen dat de opkomende industrie veel drastische veranderingen in het landschap teweeg brengt. Door het tonen van e-waste vuilnishopen, vervuilde gronden en enorme fabrieken klagen ze de vuilheid van de industrialisering aan.

Ook in Watermark zit een milieubewuste boodschap, die is in de interviews veelal overduidelijk. Gelukkig zijn die (licht prekerige) gesprekken niet in overdaad aanwezig. Enkel de meest relevante citaten zijn behouden. De boodschap staat niet in de weg van unieke en spectaculaire beelden.

Recensie Watermark

Zoektocht naar het perfecte beeld
De krachtigste shots van de film zijn overdonderend en zouden niet misstaan in een film als Samsara, die door enkel beelden en muziek de mooiste en lelijkste kanten van onze samenleving toont. In de documentaire is te zien hoe Burtynsky de kleinste details en oneffenheden uit zijn foto’s mijdt. Zijn zoektocht naar het perfecte beeld is inspirerend en zelfs vertederend. In Watermark vertaalt zijn passie zich in beeldschone shots van rivieren, stromen, watervallen en opgedroogde woestijnen.

Stroompjes kabbelen en watervallen donderen over het scherm om tegelijk de voedende en verwoestende kracht van het water aan te tonen. Wie een gevoelige blaas heeft, gaat best voor de voorstelling even naar het toilet.

 

7 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Nena

***

recensie  Nena

Als je denkt, gaat het mis

door Nanda Aris

Coming of age film waarin een puber te maken krijgt met haar eerste verliefdheid, gescheiden ouders en een invalide depressieve vader.

Nena is de eerste speelfilm van Saskia Diesing. Het scenario van de film schreef ze samen met Esther Gerritsen. De film is gebaseerd op haar eigen leven in de puberteit, en dus speelt de film aan het einde van de jaren tachtig. Ware het niet dat de euthanasiewet in Nederland pas in 2001 van kracht werd.

Recensie Nena

Cynisme
Nena (Abbey Hoes) is een zestienjarige met donker haar en een ruim zittende zwart leren jas. Ze heeft een goede band met haar vader Martin, een voormalig Duits literatuurprofessor, die al jaren in een rolstoel zit vanwege MS. Een sterke rol van Uwe Ochsenknecht; met zijn cynische grappen weet hij de kijker op de juiste manier te raken. Dit doet ergens denken aan de komische bitterheid in Simon (van Eddy Terstall), hoewel de grappen en het taalgebruik in die film grover zijn. Door het luchtige cynisme, beseffen zowel Nena als de kijker niet direct hoe depressief Martin eigenlijk echt is. Des te harder is de werkelijkheid als blijkt dat Martin een zelfmoordpoging doet. Nena is dan ook diep gekwetst door het feit dat haar vader dood wil.

Leven heeft meerdere kanten
Zelf ontdekt Nena de liefde. Ze wordt verliefd op Carlo (Gijs Blom), de pitcher van het honkbalteam. Over het gooien van de bal moet je niet nadenken: ‘Als je denkt, gaat het mis’, zegt Carlo. Het blijkt een wijze uitspraak, niet alleen toepasselijk op honkbal.

Terwijl Nena haar eerste verliefdheid in alle hevigheid doormaakt, blijkt niet alles rozengeur en maneschijn. Abbey Hoes weet de dromerigheid van de liefde geloofwaardig te combineren met de angst en boosheid om haar vaders situatie. De machteloosheid om haar vader te helpen, en zijn uitzichtloosheid, doen haar beseffen dat het leven meerdere kanten heeft; haar levenslust staat in schril contrast met de doodswens van haar vader.

Tegelijkertijd betekent dit besef dat ze volwassen wordt. De wil om haar vader te helpen is groot, dus gaat ze de conversatie over de dood niet uit de weg. Dit op een bijna té luchtige manier, want het  koelbloedige gesprek over de verschillende manieren van zelfmoord komt niet geheel geloofwaardig over.

Recensie Nena

Plotontwikkeling
De film Supernova van Tamar van den Dop die eerder dit jaar verscheen, gaat ook over de volwassenwording van een jong meisje. Van den Dop is niet bang om een film te maken met weinig plotontwikkeling. Het betekent niet automatisch dat een film niet boeiend of interessant is daardoor. Een andere bevestiging hiervan is de nu in de bioscoop draaiende film Boyhood (Richard Linklater). Beide films kabbelen voort, net als het echte leven. Elke keer wanneer de kijker verwacht dat er iets groots gebeurt, gebeurt er niks. Zeer verfrissend dat de regisseurs van deze films zich niet aan de Hollywood-clichés houden en zo’n film durven maken.

Het was de film Nena ten goede gekomen als de regisseuse vertrouwd had op het maken van een boeiende film, zonder de behoefte te voelen af te moeten sluiten met een sterk einde. De film heeft dit einde niet nodig, zonder het slotstuk waren de impact en geloofwaardigheid vele malen groter geweest. Neemt niet weg dat de film, mede door goede acteurs (ook Fabian Jansen als Theo speelt een prachtige en bij vlagen zeer geestige rol), de moeite waard is.

 

6 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Above Us All

***

recensie  Above Us All

De wereld draait door

door Ralph Evers

Above Us All vertelt ons verhalen over onze sterfelijkheid. De verschillende invalshoeken en ideeën hierover. De dood omringt ons ieder moment, want elk moment sterft en gaat over in een nieuw moment, in eindeloze beweging, tot de tijd stopt met tikken. 

De film begint met het scheppingsverhaal van de Aboriginals. We zijn op aarde en kijken uit over een uitgestrekt landschap. De grootsheid van moeder natuur stroomt via het scherm de zaal binnen. Dan doet een voice-over verslag van de schepping van de zon. Via een droom, een emoe-ei en de kampvuren van de geesten werd de zon geschapen. Onze tijd op aarde is tastbaar, wordt ervaren en geleefd. De dood is echter ongrijpbaar, ze is evenals de hemel boven ons. Ze bepaalt wie we zijn, en verschuilt zich ergens in de tijd, die verdwaald lijkt in de nachtelijke eindeloosheid van de sterrenhemel.

Recensie Above Us All 3D

Groote Oorlog
We leren Shay, Kelab, Koen en Maree kennen. Koen is een Vlaming die met Maree, een Aboriginal, twee kinderen heeft: Shay en Kelab. Maree overlijdt en Koen besluit met zijn kinderen terug te keren naar zijn geboorteplek: Ieper. De plek waar honderd jaar geleden onvoorstelbare gruwelijkheden plaatsvonden in de Groote Oorlog. Tegen deze achtergrond zoekt Shay naar troost in haar verwerking van het verlies van haar moeder.

De 53 shots die de film rijk is kenmerken zich door een 360 graden ronddraaiende camera. Om de illusie van beweging te behouden is gekozen voor een hoger aantal beeldjes per seconde, 50. Normaal gesproken zijn dit er 25, maar dat zou met de panningshots een flikkerend beeld opleveren. De camera draait rondom taferelen en overpeinzingen van de personages. Dit doet denken aan de overpeinzingen van de dealer en zijn klanten in de Hongaarse film Dealer van Benedek Fliegauf. Eveneens een film die in elk shot 360 graden rondom de scène draait en de contemplaties van de personages uitspreekt. De acteurs in Above Us All zijn geen professionals. Ze spelen zichzelf met hun ervaringen en emoties in een verzonnen verhaal.

Recensie Above Us All 3D

Last Post
De overpeinzingen in deze film gaan over het kapotgeschoten verleden van Ieper, wat nog altijd actueel is, en over de dood. Ieper is nog altijd zoekende naar hoe om te gaan met het verleden en hoe betekenis te geven aan de wreedheden in de drie slagen om Ieper. Nog elke dag wordt om 20 uur de Last Post geblazen ter nagedachtenis aan de vele gevallenen. Shay probeert te midden van haar nieuwe omgeving betekenis te geven aan de dood van haar moeder. Onder voortdurend grijze luchten waar maar regen uitvalt, valt dit haar zwaar.

De film op zijn beurt portretteert verschillende mensen, die hun ideeën rondom de dood uitspreken. Zo denkt de vader dat de dood definitief is, waar een jongen overtuigd is van een hemel en een hel. Een oudere vrouw vertelt over hoe de potjes jam die ze met haar man maakte haar doen denken aan de relatie die ze met hem had. Die potjes jam zijn als een relikwie, vasthoudend aan de liefde van de vrouw naar haar overleden man. Eenzelfde magie zit hem in het beroep van Koen. Hij is astronoom en kijkt in adembenemende shots naar de sterrenhemel, waar volgens de Aboriginals de geesten verblijven. En zo is de cirkel rond, ondanks hun verschillende opvattingen.

5 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Gett, The Divorce Trial Of Viviane Amsalem

****

recensie  Gett, The Divorce Trial Of Viviane Amsalem

Scènes uit een huwelijk

door Suzan Groothuis 

Scheiden in Israël is zo makkelijk niet. Dat ondervindt Viviane aan den lijve, wanneer ze voor een rechtbank van rabbi’s haar scheiding aanvraagt. Twee uur lang volgt de kijker haar beproevingen binnen de muren van de rechtszaal. Benauwend, pijnlijk en treffend, maar ook met wrange humor. 

Regisseursduo Ronit Elkabetz en Shlomi Elkabetz volbrengen met Gett: The Trial of Viviane Amsalem hun drieluik. Eerder maakten zus en broer To Take a Wife en The Seven Days, waar het koppel Viviane (een rol van Ronit Elkabetz) en Elisha (Simon Abkarian) worstelt tijdens en na het huwelijk.

Gett: The Trial of Viviane Amsalem volgt het duo op een vaste locatie: in de rechtszaal, alwaar Viviane voor drie rabbinale rechters haar scheiding aanvraagt. Wat de situatie complex maakt, is dat er in Israël niet zoiets bestaat als een burgerlijk huwelijk of een burgerlijke scheiding. Alleen een rabbijn kan een huwelijk ontbinden, waarbij de volledige instemming van de echtgenoot nodig is.

Recensie Gett, The Divorce Trial Of Viviane Amsalem

Laat dat nou precies het probleem zijn waar Viviane mee kampt. Haar stoïcijnse echtgenoot Elisha wil namelijk niet scheiden. Hij heeft slechts een wens: Viviane moet bij hem terugkomen. Niet zozeer omdat hij zoveel van haar houdt. Nee, het huwelijk pijnigt hem ook. Maar het is omdat God het wil.

De tijd verstrijkt
Dat Elisha wel een potje kan breken bij de rabbi’s, blijkt wel uit het feit dat hij de eerste paar keer dat hij opgeroepen wordt niet verschijnt. Terwijl Viviane steeds netjes in de rechtszaal aanwezig is en maar weer af moet wachten of haar man komt. De consequentie van Elisha’s afwezigheid? Het innemen van zijn rijbewijs, terwijl hij dat niet eens heeft. Hiermee wordt duidelijk hoe absurd en vergaand de situatie is.

Wanneer Elisha uiteindelijk wel verschijnt, is er veel voor nodig om tot een besluit te komen aangaande de scheiding. Viviane moet alles uit de kast trekken om aan te tonen waarom hun huwelijk niet werkt. Dat is lastig als getuigen aangeven dat zij een voorbeeldechtgenoot heeft; Elisha is bovendien een gerespecteerd lid van de synagoge.

Vastberaden missie
Gett: The Trial of Viviane Amsalem vindt volledig plaats binnen de muren van de rechtszaal en de wachtkamer. Daarmee beoogt het regisseursduo een benauwend effect, dat versterkt wordt door de zich verstrekkende tijd: maanden en jaren vervliegen, terwijl Viviane vastgekluisterd zit aan haar huwelijk. De focus van de film ligt dan ook op het script en de acteurs, die beiden overtuigen. Een mooi moment is wanneer de camera halverwege de film inzoomt op Viviane’s bleke gelaat. Uit haar gezicht spreekt verdriet en pijn, maar ook vastberadenheid. Die vastberadenheid maakt Viviane tot een sterke persoonlijkheid. Haar echtgenoot oogt zwakker, maar uit zijn houding en terloopse blikken spreekt een passieve agressie. Ondertussen doen hun advocaten hun best om de boel op de spits te drijven.

Recensie Gett, The Divorce Trial Of Viviane Amsalem

Het zou gemakkelijk zijn om een hekel te krijgen aan de koppige en stuurse Elisha. Maar ook hij lijdt, net als zijn vrouw. Subtiel weten de filmmakers dit in beeld te brengen, zoals een onthulling van Elisha dat hij zijn emoties niet onder woorden kan brengen. Gaandeweg wordt duidelijk waarom hun huwelijk niet werkt, waarbij de gelaatsuitdrukkingen vaak meer zeggen dan de onthullingen. Vastberadenheid, vertwijfeling en zelfs, op het einde, sporen van een liefde die ooit was.

Gett: The Trial of Viviane Amsalem is een beproeving, een gevecht van een vrouw voor haar vrijheid. Mooi gesymboliseerd door haar haar los te schudden in de rechtszaal. Een gebaar dat zowel moedeloosheid als onafhankelijkheid uitstraalt en niet gewaardeerd wordt onder het strenge oog van de rabbi’s. De film doet wat denken aan het Iraanse The Circle, waar vrijheid voor vrouwen een droom is en zij slechts voor dichte deuren komen te staan. Ronit Elkabetz en Shlomi Elkabetz tonen hoe absurd en hard de werkelijkheid kan zijn, maar bieden nog hoop op de open deur naar vrijheid – zij het een verstikkende.

 

4 september 2014

 

 
ALLE RECENSIES

Most Wanted Man, A

****

recensie  A Most Wanted Man

Eurothriller van topklasse

door Alfred Bos

Geslaagde boekverfilmingen zijn dun gezaaid, maar met zijn derde rolprent doet de Nederlandse regisseur Anton Corbijn het spionagedrama van John le Carré volledig recht. Philip Seymour Hoffman schittert in zijn laatste hoofdrol.  

John le Carré, al meer dan vijftig (!) jaar gevierd auteur van internationaal succesvolle spionageromans, weet waarover hij schrijft. De voormalige Britse spion verruilde na de val van de Muur de vaste setting van zijn boeken, de Koude Oorlog, voor de nog veel schimmiger wereld van gecorrumpeerde ambtenaren, sluimerende terroristencellen en malafide multinationals. Acht van zijn 23 romans zijn verfilmd (in 2011 nog Tinker Tailor Soldier Spy met Gary Oldman) en voor verfilming numero negen tekent de Nederlandse regisseur en fotograaf Anton Corbijn.

Recensie A Most Wanted Man

A Most Wanted Man (het boek is uit 2008) draait om de pogingen van de Duitse geheime dienst om een Arabische filantroop op te pakken. De man maakt voor de buitenwereld goede sier door giften naar scholen en ziekenhuizen in de Arabische wereld te sluizen, maar financiert in het geniep Al Qaida. In zijn laatste hoofdrol vertolkt de eerder dit jaar overleden Philip Seymour Hoffman de boevenjager Günther Bachmann, een gewezen spion die in Hamburg een klein team van officieel niet bestaande agenten aanstuurt.

Nadruk op psychologie
Het lokaas om de vis te vangen is een illegaal uit Tsjetsjenië, die wordt bijgestaan door een jonge, idealistische advocate (Rachel McAdams). Voorts is de directeur van een kleine, in stilte opererende familiebank (Willem Dafoe) bij het verhaal van list en bedrog betrokken. De Duitse inlichtingendienst en de Amerikanen, via een liaison (Robin Wright), kijken over Bachmanns schouder mee en hebben andere belangen.

Le Carré moet zeer ingenomen zijn met de verfilming van Corbijn, want sfeer, achtergrond, methodiek en psychologie van de personages worden schijnbaar achteloos maar trefzeker neergezet. Het verteltempo en de nadruk op de motieven van de karakters staan haaks op de testosteron gedreven actie van de doorsnee Hollywood-thriller, zonder dat de film daardoor aan spanning inboet. A Most Wanted Man is het soort Eurothriller dat tot in de jaren tachtig met enige regelmaat in Frankrijk en Italië werd geproduceerd.

Recensie A Most Wanted Man

Geplaagde mannen
Het is onmogelijk om zonder weemoed naar Hoffman te kijken, want de man is fantastisch als de kettingrokende en verbitterde maar nog immer gedreven geheim agent Bachmann: de intensiteit spat van het scherm, hij is elektrisch. Al heeft Bachmann geen privéleven, zijn ziel is nog niet helemaal verschrompeld. Tijdens nachtelijke piekermomenten schuift hij achter de piano; John Coltrane’s A Love Surpreme staat vooraan de rij langspeelplaten. Ook de bankier krijgt zo’n moment buiten de verhaallijn waarop zijn existentiële eenzaamheid blijkt. Het zijn geplaagde mannen die weten dat de wereld duister is.

Waren Corbijns eerste films (de Joy Division-biopic Control en de naar de western verwijzende existentiële thriller The American, met George Clooney) al niet kinderachtig, met A Most Wanted Man  levert hij een van de beste spionagethrillers én boekverfilmingen in lange tijd af. Voor de muziekliefhebber zijn er een paar geintjes op de geluidsband. Popfotograaf Corbijn was ooit een van de eersten die het belang van het Neue Welle-duo D.A.F. hoorde (hier in de club scène) en welke buitenlandse regisseur had Down Man van Brainbox, een Nederlandse hit uit 1968, achter een caféscène geplakt? En wie oplet, ziet filmcomponist Herbert Grönemeyer in een bijrolletje.

 

1 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Tale of the Princess Kaguya, The

*****

recensie  The Tale of the Princess Kaguya 

Tekenfilmsprookje uit Japan

door Alfred Bos

Na Hayao Miyazaki (The Wind Rises) heeft ook medeoprichter van de befaamde Ghibli Studio, Isao Takahata, zijn pensioen aangekondigd. Zijn beeldschone afscheidsfilm – met Japanse stemmen, Nederlands ondertiteld – illustreert een boeddhistische boodschap.  

Isao Takahata is een van de reuzen van de Japanse tekenfilm (anime). Anders dan zijn zes jaar jongere collega Hayao Miyazaki – van wie eerder dit jaar het verbluffende The Wind Rises te zien was – begon Takahata als regisseur en is hij pas later gaan tekenen en illustreren. Het geeft zijn films een unieke toets, zoals op wonderschone wijze duidelijk wordt uit zijn laatste – in dit geval helaas in beide betekenissen van het woord – werkstuk, The Tale of Princess Kaguya.

Recensie The Tale of the Princess Kaguya

Takahata staat bekend om zijn afwijkende, niet-cartooneske stijl. Geïnspireerd door het Italiaanse neorealisme en de Franse nouvelle vague regisseerde hij in de jaren zestig tekenfilmseries voor de televisie waarin het dagelijkse leven met veel aandacht voor detail werd neergezet. Zijn feature tekenfilms richten zich op een volwassen publiek en zijn regelmatig gebaseerd op Westerse romans; onderwerpen die anime  doorgaans mijdt. Zo is zijn Only Yesterday (1991) eerder verwant aan het sociale drama van de Japanse filmgigant Yasujiro Ozu, de man van Tokyo Story, dan aan, pak ‘m beet, Walt Disney of Ghibli-collega Miyazaki.

Boeddha op een wolk
The Tale of Princess Kaguya behoort tot de minderheid van Takahata’s oeuvre waarin het fantastische een voorname rol speelt. Het is de tekenfilmadaptatie van een Japans sprookje uit de tiende eeuw over een bamboesnijder die op een dag tijdens de kap in het bos een bamboespruit met een prinsesje vindt. Hij neemt haar mee en voedt haar samen met zijn vrouw op. De bamboesnijder weet dat zijn pleegkind bijzonder is en introduceert haar aan het hof, waar voorname edellieden naar haar hand dingen. Ze scheept hen af met onmogelijke opdrachten.

Kaguya verzet zich tegen de traditie, ze wil vrij zijn. Maar gelukkig is de prinses, die van de maan afkomstig blijkt, op aarde niet: ‘Ik ben nep en alles is mijn schuld’. Ze kiest ervoor terug te gaan naar de maan, waarna Boeddha haar komt halen op een wolk. Het is een filosofisch getint sprookje over de zin van het bestaan. Het leven is een droom en al wat groeit en bloeit, van mensen tot insecten, is bijzonder, waarbij de seizoenen de cyclische levensgang verbeelden. Kaguya’s afscheid van de aarde overstijgt het sentimentele en is van een indringende schoonheid.

Recensie The Tale of the Princess Kaguya

Speciale techniek
The Tale of Princess Kaguya is Takahata’s eerste feature film sinds My Neighbors The Yamadas uit 1999 en hij heeft er zes jaar aan gewerkt. Met zijn eeuwenoude verhaal en filosofische moraal is het een buitenbeentje in de wereld van de tekenfilm, wat nog wordt versterkt door de afwijkende, maar beeldschone tekenstijl: impressionistische aquarellen van grote zeggingskracht waarin de getekende karakters dankzij een speciale techniek bijzonder realistisch bewegen. In plaats van celanimatie (decors en karakters los van elkaar getekend) zijn achtergrond en personages in de animatie geïntegreerd. Aldus wordt met een paar streken de kruipende baby Kaguya levensecht neergezet.

Het is tevens Takahata’s laatste werkstuk voor de Ghibli Studio in Tokio, het productiehuis dat hij in 1985 met Miyazaki opzette en is gespecialiseerd in ‘ouderwetse’ animatie: alles met de hand getekend, geen computertechniek. Nu beide oprichters hun afscheid hebben aangekondigd was er onder fans even schrik over de toekomst van de wereldvermaarde studio, maar de directie heeft verkondigd door te gaan met een nieuwe generatie animators. De film When Marnie Was There van Hiromasa Yonebayashi draait al in Japan en is aangekondigd voor Nederland. Tot die tijd kan iedereen zich laven aan het verhaal van Princess Kaguya: tekenfilms van dit kaliber zijn zelden te zien.

 

1 september 2014

 
ALLE RECENSIES

Kreuzweg

****

recensie  Kreuzweg

Maria is Jezus

door Cor Oliemeulen

In naam van religie worden mensen verstoten, verkracht en vermoord. Andere geloofsfanatici hebben grootmoedigere bedoelingen, zoals de streng katholieke Maria. In het wonderbaarlijke drama Kreuzweg verslikt ze zich pardoes in een hostie.  

De Kruisweg is een nabootsing van de lijdensweg van Jezus vanaf het paleis van Pontius Pilatus tot op de heuvel van Golgotha, de plaats waar Jezus door Romeinen aan het kruis werd gespijkerd. Volgens de rooms-katholieke traditie volgen gelovigen op Goede Vrijdag veertien kruiswegstaties, meestal schilderijen die de gang naar de terechtstelling verbeelden.

Stijgende verbazing
Het Duitse drama Kreuzweg is opgebouwd uit veertien fragmenten die min of meer parallel lopen met de veertien staties. Veertien veelzeggende statische shots waarbij de toeschouwer van afstand de interactie tussen de personages kan gadeslaan en met stijgende verbazing en ontzetting het verhaal kan volgen. Een bijzonder idee met een originele filmconstructie, consequente opbouw en lak aan conventies. Laat je niet ontmoedigen door het eerste fragment met als titel ‘Jezus ter dood veroordeeld’. Een duffe, maar weinig aan de verbeelding overlatende, godsdienstles die de opmaat vormt van een apotheose die neerdaalt als een schicht uit de hemel.

Recensie Kreuzweg

De hoofdpersoon is veertien lentes jong en luistert naar de naam Maria. Ze is het oudste kind van een streng gelovig gezin. De familie is lid van een fictieve congregatie die is gebaseerd op St. Pius X, een gemeenschap die alle hervormingen sinds het Tweede Vaticaans Concilie van de jaren zestig afzweert. Deze semi-schismatieke organisatie werd in 2009 wereldnieuws omdat één van zijn vier bisschoppen de Holocaust ontkende. Als je lid bent van deze club is er geen ruimte voor persoonlijke behoeftes en ontwikkeling. Dat ondervindt ook Maria. Ze is een meisje, dat op het punt staat de wereld tegemoet te treden, maar door ouderwetse dogma’s en indoctrinatie – van vooral haar moeder – die wereld en haar eigen gevoelens leert wantrouwen.

Soldaten van Jezus Christus
De priester kan er ook wat van. Hij is jong, gedreven, charismatisch en zeer rap van tong. Als voorbereiding op hun Vormsel (voor niet-katholieken: als je bent gedoopt, ontvang je een sacrament met de kracht van de Heilige Geest) heeft hij wat kinderen om zich heen verzameld. De boodschap is duidelijk: Satan is de vijand, ziekte een straf van God en de kinderen, die zijn gezegend met wonderlijke energie in hun hart, moeten zich gedragen als ‘soldaten van Jezus Christus’. De ziel van andere mensen redden dus. En offers brengen. Dit betekent voor Maria dat ze misschien haar autistische broertje, de kleine Johannes, gezond kan maken.

De makers van Kreuzweg – broer en zus Dietrich en Anna Brüggemann, die zelf opgroeiden in een St. Pius X gerelateerde omgeving – prefereren psychologische beschouwingen boven de karikaturale diepzwarte humor van Glaube, onderdeel van de verdienstelijke, maar omstreden Paradis-trilogie van de Oostenrijkse filmmaker Ulrich Seidl. In dat drama blijkt de protagonist, een vrouw van middelbare leeftijd, zo vol van Jezus dat ze op haar blote knieën door de kamer kruipt, zichzelf geselt met een zweepje en masturbeert met een kruisbeeld.

Recensie Kreuzweg

Verleiden tot onzedelijke acties
Maria stelt haar lichaam, ziel en zaligheid op een andere manier ter beschikking aan het geloof en houdt het aanvankelijk simpel. Ze trotseert het koude weer zonder jas, wil niet lachen als ze op de foto gaat, doet – tot begrijpelijke hilariteit van haar klasgenoten – niet mee aan schoolgymnastiek omdat er verderfelijke muziek wordt gedraaid en biecht elke scheet op bij de priester. Het onpersoonlijke, wereldvreemde contact met deze vermeende zielzorger maakt de gemoedstoestand van Maria er niet beter op. Net als haar moeder vindt de priester dat het pubermeisje geen onkuise gedachten over jongens mag hebben en dat ‘de ritmes van drums en de monotone baslijnen van soulmuziek en gospel ons tot onzedelijke acties verleiden’.

Ondertussen probeert Maria’s klasgenoot Christian tot haar door te dringen. Hij is lid van een geloofsgemeenschap waar ze die satanische muziek graag ten gehore brengen. In hun kerk zijn ook vrouwelijke misdienaars, een gegeven dat Maria ten strengste afkeurt, omdat meisjes de mannelijke kerkgangers afleiden van het gebed. Op de vraag van Christian of de vrouwen niet kunnen worden afgeleid door jongensmisdienaars komt geen antwoord. Maria’s onbedoelde hypocrisie en voortschrijdende afzondering versterken haar ijzeren wil om haar moeder te behagen en haar broertje te redden. Sterke rollen van de debuterende Lea van Acken als Maria, en Franziska Weisz als haar moeder in dit trefzekere drama over godsdienstwaanzin.

 

29 augustus 2014

 
ALLE RECENSIES