Assassin, The

***

recensie The Assassin
Verstild zwaardvechten

door Suzan Groothuis

Met The Assassin geeft de Taiwanese regisseur Hou Hsiao-hsien een eigen draai aan het wuxia-genre. Geen overdaad aan magistrale zwaardgevechten, maar vooral veel ruimte voor verstilde beelden van decors en natuur.  Een lust voor het oog, maar de film behoudt met zijn kale, poëtisch aandoende verhaallijn teveel afstand.

Met zijn titel zal The Assassin het hart van menig martial-arts liefhebber sneller doen kloppen. Een vrouwelijke huurmoordenaar wel te verstaan, die – gekleed in  stijlvol zwart – er op uit trekt om haar neef, haar voormalige geliefde, te vermoorden.  Er zit een stukje geschiedenis achter: zij is prinses Yinniang, afkomstig uit een keizerlijke familie. Na haar ontvoering door een rivaliserend koninkrijk wordt zij getraind om politici te vermoorden. Wanneer een opdracht mislukt krijgt zij de taak terug te keren naar haar geboorteplaats om haar neef Tian, inmiddels een gevreesd militair aanvoerder, om te brengen. Een onmogelijke opdracht, aangezien ze ooit geliefden van elkaar waren.

The Assassin

Contemplatieve stijl gecombineerd met sierlijke krijgskunst
Dit behelst zo ongeveer de verhaallijn van The Assassin, Hou Hsiao-hsiens eerste film in het wuxia-genre en gebaseerd op een negende-eeuws kort verhaal tijdens de Tang-dynastie.

Hou Hsiao-hsien kennen we vooral als arthouse-meester van films als Millenium Mambo en Flight of the Red Balloon, die het met hun contemplatieve, meditatieve stijl moeten hebben van beelden en sfeer. Een stijl die hij in The Assassin combineert met de sierlijke choreografie van zwaardvechten.

Verstilde afstandelijkheid
Desalniettemin, met zijn filmografie in het achterhoofd, een onwaarschijnlijke keuze om zich aan het wuxia-genre te wagen. Het resultaat is deels geslaagd: de cinematografie is prachtig met veel ruimte voor gestileerde decors, kostuums en natuur. De camera neemt duidelijk de tijd voor sfeer en ruimte. De serene, verstilde beelden gaan samen met een soundtrack van monotoon klinkende drums als een teken van dreigend gevaar op de achtergrond. Gevaar dat af en toe opdoemt in de vorm van sierlijke zwaardgevechten, die net zo snel stoppen als dat ze begonnen zijn. Deze zeldzame actiescènes zijn prachtig om te zien, waarbij beelden en geluidseffecten perfect samensmelten en het hart net een slag sneller gaat kloppen. Om plots weer om te slaan naar suggestieve rust.

The Assassin

Gemakkelijk is The Assassin niet. Toegankelijk evenmin. Het ontbreekt de film aan een duidelijke verhaallijn en zeker in het begin is het even in komen met al die rivaliserende krijgersnamen. Daarbij laat de poëtische vertelling veel aan de verbeelding over. Uiteindelijk voelt de film fragmentarisch en afstandelijk aan, waarbij je als kijker waarnemer bent van een oude geschiedenis zonder volledig meegezogen te worden.

 

21 februari 2016

 

Lees ook: Ondertussen, op de redactie: Gouden Palm voor geparfumeerde lucht

 
ALLE RECENSIES
 

Louder Than Bombs

***

recensie  Louder Than Bombs

Door rouw versnipperd

door Suzan Groothuis

Wat blijft er over van een gezin na de zelfmoord van de moeder? En sterker nog, wat doe je als vader als je je jongste zoon steeds hebt voorgehouden dat het een ongeluk was? Louder Than Bombs is een sterk geacteerd familiedrama, maar houdt de kijker ondanks momenten van betovering op afstand. 

De Noorse regisseur Joachim Trier kennen we van Reprise en Oslo, August 31st. Integere, psychologische drama’s waarin jonge mensen met een intellectuele achtergrond worstelen met hun twijfels en ambities. In Reprise leidt dat vooral tot de verwende weltschmerz van een groep hoogopgeleide twintigers; Oslo, August 31st krijgt een tragischer wending als de jonge hoofdpersoon besluit afscheid van het leven te nemen. En nu is er dan Louder Than Bombs, Triers eerste Engelstalige productie met grote namen als Isabelle Huppert en Gabriel Byrne.

Louder Than Bombs

Ook in Louder Than Bombs staan reflecties op het leven en ieders persoonlijke twijfels en wensen centraal. Het draait om het gezin Reed, incompleet sinds het overlijden van moeder Isabelle (Isabelle Huppert). De succesvolle, maar getroebleerde fotografe maakte zelf een einde aan haar leven door tegen een vrachtwagen aan te rijden. Iets wat jongste zoon Conrad niet weet, want hem is door zijn vader voorgehouden dat het een ongeluk was.

Complexe familiegeschiedenis
Drie jaar na het overlijden is er een retrospectief op haar werk. Oudste zoon Jonah (Jesse Eisenberg) keert net na de geboorte van zijn zoon terug naar zijn ouderlijk huis om zijn vader te helpen met het samenstellen van de collectie. Een manier voor vader Gene (Gabriel Byrne) om de banden met zijn zonen aan te halen. Hij komt hierbij voor de moeilijke opgave te staan Conrad eerlijk te vertellen wat de daadwerkelijke aanleiding was van Isabelle’s dood.

En zo raakt de kijker verwikkeld in een complexe familiegeschiedenis, waarin het hier en nu afgewisseld wordt met beelden uit het verleden. Herinneringen aan Isabelle komen in beeld, worden opgerakeld of gereconstrueerd. Zo beeldt de kwetsbare Conrad zich haar dood in: was ze aan het wegdromen voordat ze geschept werd door een vrachtwagen? Ook al proberen de gezinsleden de draad weer op te pakken – Jonah als kersverse vader, Gene weer in een nieuwe relatie en Conrad ergens zwevend in zijn eigen wereld – de wonden van Isabelle’s dood zijn nog duidelijk zichtbaar.

Ingetogen en onderkoeld
Louder Than Bombs heeft een ingetogen sfeer waarin herinneringen, dagdromen en realiteit samensmelten. Parallel aan rouwverwerking lopen thema’s van passie, zingeving, vervreemding en eenzaamheid. Waarom heeft Isabelle een einde aan haar leven gemaakt en hoe kan het gezin weer verder na deze tragische gebeurtenis? Triers film heeft momenten van betovering en schoonheid, maar blijft een zekere afstand tot zijn personages houden. Alsof ieder zich wil beschermen voor de ware emoties die achter een ogenschijnlijk geslaagd en succesvol leven schuil gaan.

Louder Than Bombs

In deze film zijn het niet de grote namen die de meeste indruk maken, maar die van nieuwkomer Devin Druid als Conrad. Het verlies van zijn moeder heeft er dusdanig ingehakt dat hij volledig in zijn eigen, vervreemdende wereld leeft. Dit leidt tot komische scènes, zoals zijn liefdesverklaring aan een onbereikbaar meisje dat hij kent van school. Maar de rijke fantasie (creatief vormgegeven aan de hand van zijn dagboek) van de jongen gaat samen met zijn zichtbare worsteling, woede en onmacht. Terwijl zijn vader verwoede pogingen doet om contact te maken, sluit Conrad zich steeds meer af.

De slotscène, waarin blijkt dat er altijd veel moet gebeuren om nader tot elkaar te komen, is mooi, maar toch wil Louder Than Bombs niet helemaal beklijven. Misschien ook wel omdat de film teveel wil laten zien – perspectiefwisselingen, sprongen naar het verleden, denkbeeldige sequenties en wat overbodige zijlijntjes zoals een affaire die Jonah er op nahoudt. Conclusie? Een degelijke, maar onderkoelde film, zodat je als kijker toch met droge ogen de zaal uitloopt. Terwijl voorganger Oslo, August 31st insloeg als een bom, maakt deze film zijn titel niet waar.

 

13 februari 2016

 
ALLE RECENSIES

IFFR 2016 – Deel 5

Deel 5: Spielberg-kloon, moedige pelgrimstocht en Chuck Norris 

door Suzan Groothuis

In dit vijfde en laatste deel aandacht voor opmerkelijke verhalen en beelden! In Raiders!: The Story of the Greatest Fan Film Ever Made beleven we Spielbergs Raiders of The Lost Ark door de ogen van tieners in de 80’s, we reizen mee op een bewonderenswaardige en moedige pelgrimstocht in Paths of the Soul en we zien hoe de komst van video’s een bijdrage leverde aan de revolutie in Roemenië. Drie films die tevens hoog eindigden in de IFFR Warsteiner Publieksprijs!

Raiders!: The Story of the Greatest Fan Film Ever Made

Een bevlogen Raiders-kloon
Het begon als een droom van drie tieners in Mississippi begin jaren ’80. Steven Spielbergs hit Raiders of the Lost Ark shot voor shot verfilmen. Helaas werd het fanproject niet afgemaakt, maar anno 2015 kunnen de makers trots het eindproduct presenteren. Terug naar ’82, het jaar waarin drie jonge tieners besloten Raiders  na te maken. Zonder Spielbergs budget natuurlijk, wat leidde tot innovatie, creativiteit en ook her en der gevaarlijk stuntwerk. Van een project dat bevlogen begon, eindigde het in demotivatie en de onkunde om de roemruchte vliegtuigscène na te bootsen. Daarbij waren de onderlinge verhoudingen gespannen, wat leidde tot einde film en een breuk in het contact.

Een vergeten en verloren project, zou je denken, maar alles dat wel gefilmd was en vastgelegd op VHS belandde in de handen van onder meer Eli Roth (bekend van de Hostel-films). En zo gebeurde het dat de film werd opgepikt, uitgroeide tot culthit en de makers gestimuleerd werden het project af te ronden.

Bijna dertig jaar later komt dezelfde crew bijeen om de vliegtuigscène te filmen. Raiders!: The Story of the Greatest Fan Film Ever Made is een documentaire die zijn naam helemaal waarmaakt: om een film als Raiders of the Lost Ark na te maken moet je dedicatie, humor en lef hebben. Allereerst: hoe kom je op het idee? En ten tweede: hoe voer je het uit? Op humorvolle wijze wordt de kijker door het productieproces geloodst, waarbij er natuurlijk meer mis dan goed ging. Uiteindelijk gaat de film ook over vriendschap en toewijding, tevens een thema in veel Spielberg films. De grote man zelf was overigens dermate onder de indruk van het tienerproject dat hij de – inmiddels volwassen – makers uitnodigde voor een ontmoeting. En ook Raiders!  leidt net als Spielbergs Raiders  tot een zinderende finale. En het moet gezegd: de vliegtuigscène is behoorlijk fraai gedaan.

Paths of the Soul

Pelgrimstocht in Tibet
In dit dramadocu van Yang Zhang volgen we een groep Tibetanen op pelgrimstocht naar Lhasa, de traditionele hoofdstad van Tibet. Het idee om deze tocht te ondernemen ontstaat wanneer een oom aangeeft de reis voor zijn overlijden te willen maken. Voor zijn broer was het te laat en hij wil niet zoals hem eindigen. Een groep van familie en vrienden verzamelt zich om de oom heen, onder wie een zwangere vrouw en een jong meisje.

De eerste beelden van Paths of the Soul tonen de voorbereidingen van de tocht, zoals het op maat maken van plankjes die om de handen geschoven worden. Gewapend met kar getrokken door een tractor begeeft de groep zich naar Lhasa – 1200 kilometer verderop. Dan wordt ook duidelijk waarvoor de houten plankjes en schorten van yakhuid dienen. Om de paar meter werpen de groepsleden zich op de grond (bow tow genaamd), voor een heilig ritueel dat zij gedurende hun tocht dienen te herhalen, ongeacht welke weersomstandigheden. Als kijker zit je met open mond naar de toewijding, kracht en hoop van deze mensen te kijken, want er gaat nogal wat mis onderweg. Om maar wat te noemen: een sneeuwstorm, een enorme plas water, een bevalling. Telkens weer blijken deze mensen, die vanuit hun ziel en hoop op verlossing de tocht zijn begonnen, in staat op creatieve en optimistische wijze hun reis te vervolgen. Paths of the Soul is een onmisbaar document, waarin de  prachtige beelden van het landschap samensmelten met de schuifelende, zich op de grond werpende pelgrims. Als kijker kan je alleen maar opgaan in deze indringende, imponerende reis.

Chuck Norris vs. Communism

De impact van Chuck Norris
Ofwel: hoe de video een revolutie ontketende! In Chuck Norris vs. Communism blikken we terug op het Ceausescu-tijdperk in Roemenië en het verbod op alles wat met het kapitalistische vrije westen te maken had. Er was maar een tv-kanaal, waarbij ieder zich dagelijks geconfronteerd zag met de Roemeense propaganda. Maar tijden van verdrukking zijn ook tijden van verandering, waarin de VHS een verrassende rol had. Via smokkelaar Teodor Zamfir belandden VHS titels als Rambo, Karate Kid en films van Chuck Norris bij de mensen thuis. De banden waren gedubt door een en dezelfde vrouwelijke voice-over, Irina Nistor. Zo werd zij, met haar eentonige en wat krasserige stem, het geluid van de vrijheid en de ongekende mogelijkheden.

Chuck Norris vs. Communism van Ilinca Calugareanu toont de impact van de video op een land dat geen vrijheid kende. Er ontstonden filmavonden, in het geniep georganiseerd, bij mensen thuis. Mond-tot-mond ging het rond: vanavond, om 20 uur, de nieuwste Chuck Norris bij Barbu thuis! Talking heads vertellen over hun jaren tijdens de dictatuur en hoe  bepalend de rol van de video werd. Gekleed als Rocky gingen jongeren ’s avonds hardlopen en trainen en het vrouwelijk publiek vergaapte zich aan de nieuwste westerse mode.

Reconstructies geven een overtuigend inkijkje in die grauwe Ceausescu-jaren, waarin de illegaal georganiseerde filmavonden de enige vorm van ontsnapping waren. Dat de VHS-banden (vele malen gekopieerd) vaak van dermate slechte kwaliteit waren hinderde niet. Chuck Norris vs. Communism is een mooi opgebouwde documentaire met een donker thrillerachtig randje, zoals het gevaar dat kwam kijken bij de uit het buitenland gesmokkelde “imperialistische” films. Maar het is vooral een film over mensen met lef en hoop, die in de VHS en cinema een middel zagen tot verandering. Tja, je moet de impact van Chuck Norris ook niet onderschatten!

 

9 februari 2016

 

VERSLAG IFFR 2016 Deel 1

VERSLAG IFFR 2016 Deel 2

VERSLAG IFFR 2016 Deel 3

VERSLAG IFFR 2016 Deel 4

 

IFFR 2016 – Deel 4

Deel 4: Ziekelijke jaloezie, Laurie’s memoires en verloren arcade

door Suzan Groothuis

In dit vierde deel van het International Film Festival Rotterdam volgen we een jaloerse partner in Lissabon, zijn we getuige van Laurie Andersons prachtige memoires en zien we de verloren kracht van spelletjeshallen in New York, waar de arcades ooit hoogtij vierden.

Fado

Ziekelijke jaloezie
Als de jonge arts Fabian geconfronteerd wordt met een jonge vrouw – sprekend zijn ex – die sterft op zijn operatietafel, slaat er iets in hem om. Hij besluit naar Lissabon af te reizen, op zoek naar zijn ex-geliefde Doro, om te repareren wat er stuk is gegaan. Doro heeft intussen een nieuwe start gemaakt in de warme, kleurrijke Portugese hoofdstad. Ze werkt bij een architectenbureau en is net verhuisd. Enigszins overrompeld is ze, wanneer Fabian ineens voor haar neus staat. Maar het pad van de liefde is onbegrensd en zij besluit hun relatie weer een kans te geven. Eind goed, al goed zal je denken, maar van meet af aan broeit er iets en weet je dat de relatie gedoemd is te mislukken. En jawel, Fabians ziekelijke jaloezie speelt weer op, de reden waarom hun relatie eerder strandde. Zoals de woeste golven aan de Portugese kust woedt er ook een storm in Fabians hoofd: het lukt hem maar niet om controle te krijgen op zijn paranoia en obsessieve afhankelijkheid.

Fado borduurt voort op het thema ‘jaloerse partners in films’ en als kijker wordt je steeds verder meegevoerd in de donkere krochten van Fabians hersenspinsels. En zo leidt regisseur Jonas Rothlaender je naar de genadeloze eindscène, waarin hij aantoont dat ziekelijke jaloezie tot ernstige gevolgen kan leiden. Een conclusie die de kijker allang getrokken had. Voeg daaraan toe een geforceerde scène waarin een uitzinnige Fabian losgaat in een club. Dans en brul het er maar uit jongen, je liefde kan je er niet meer mee redden.

Heart of a Dog

Collage van herinneringen
Een van de pareltjes van dit IFFR jaar is van de hand van multimedia-artiest Laurie Anderson. We kennen haar ook als echtgenote van de in 2013 overleden Lou Reed en als musicus (na het zien van deze film gelijk prachtplaat Big Science opgezet). Terug naar Heart of a Dog, een experimentele film waarin Laurie Anderson het verlies van haar terriër Lolabelle een plek geeft, maar tegelijkertijd stilstaat bij het overlijden van haar moeder, haar jeugd en de wijze waarop de Amerikaanse samenleving na 9/11 is ingericht.

Pretentieus zal je denken, maar Heart of a Dog is een prachtige, integere collage van beelden, herinneringen, mijmeringen en bevlogenheid. De onderwerpen, hoe ver ze ook uiteen liggen, komen dankzij Laurie Andersons serene voice-over tot elkaar. Zo verwijst ze naar de lucht, blauw, open en vrij, maar vanuit diezelfde lucht kan ineens een aanval komen. Zoals de 9/11 catastrofe, maar ook haar hond Lolabelle die ineens door woeste vogels werd aangevallen.

De dood neemt een centraal thema in in Andersons film. Ze verbindt het verlies van dierbaren aan het Tibetaanse boek der doden, wat leidt tot een prachtige uiteenzetting. Heart of a Dog is een film waardoor je je laat meevoeren, als een soort meditatie, leidend door Andersons stem. Een film die raakt tot diep in je ziel maar ook nog genoeg humor bevat om te relativeren.

The Lost Arcade

Het belang van de arcade
Het openingsshot van The Lost Arcade voert de kijker door de New Yorkse metropool, eindigend bij wat ooit een ontmoetingsplek voor gamers was: de Chinatown Fair, een legendarische arcade (ofwel spelletjeshal). Met deze scène, waarin zowel mysterie, fascinatie als de grootsheid van de stad terugkomen, zetten regisseur Kurt Vincent en schrijver Irene Chin direct de toon. De arcade als een plek waartoe je je aangetrokken voelt, in de stad maar toch een wereld op zich.

De rest van de film verhoudt zich meer tot een documentaire, met beelden van vervlogen arcade-tijden en de mensen die er op af kwamen. De arcade, in het smoezelige New York van de jaren zeventig en tachtig, was een plek waar jongeren zich urenlang konden vermaken. Spelletjes als Pacman en Streetfighter waren grote hits en trokken massa’s jongeren die gretig hun centjes in de machines wierpen.

Buiten de aantrekkingskracht van de games is de gemeenschapszin opmerkelijk: jongeren die normaal gesproken buiten zouden gaan hangen, zochten nu hun vermaak in de arcade-hallen. De hang naar competitie speelde daarbij ook een grote rol: wie is de beste en onverslaanbaar? Met de concurrentie van spelcomputers als Playstation en Xbox waren de arcades genoodzaakt hun deuren te sluiten. Zo ook de legendarische Chinatown Fair, met pijn in het hart van de eigenaar, zijn fanatieke medewerkers en de bezoekers. Anno nu is er weer nieuw leven in de arcades geblazen met een gemoderniseerde arcade, opgericht door vaste klant Henry Cen en de heropening van Chinatown Fair. Op eigen wijze spelen de eigenaars in op de vraag van nu, waarbij de filmmakers tonen hoe moeilijk het is het hoofd boven water te houden. Wat de toekomst is van deze arcades is de vraag.

The Lost Arcade geeft, buiten nostalgische beelden van de arcades in hun hoogtijdagen, het belang weer van het behoud van deze plek en hun unieke gemeenschap. Een inkijkje in een bijzondere kosmos en wat blijven ze leuk, die oude arcade-games.

 

6 februari 2016

 

VERSLAG IFFR 2016 Deel 1

VERSLAG IFFR 2016 Deel 2

VERSLAG IFFR 2016 Deel 3

VERSLAG IFFR 2016 Deel 5 (slot)

 

IFFR 2016 – Deel 3

Deel 3: Horror, beklemming en een bloederig goedmakertje

door Suzan Groothuis

In dit derde deel van het International Film Festival Rotterdam aandacht voor films waarin horror, angst en bloedvergieten een rol spelen. Van de essay-achtige docu Fear Itself springen we naar het beklemmende Endorphine, om te eindigen met Green Room waarin de punkband The Ain’t Rights in een waar bloedbad verzeild raakt.  

Fear Itself

Wat doet angst met je?
De kalme voice-over van Amy E. Watson leidt ons in Fear Itself door diverse scènes uit horrorfilms. Enge momenten waardoor zij betoverd is, fragmenten die een beklemmende of opbouwende angst suggereren en zich in je hoofd nestelen. De essay-achtige documentaire, waarin de bevindingen en verklaringen van de voice-over samensmelten met beelden uit vergeten horrorfilms en iconische klassiekers, is vooral een sfeerimpressie die de vraag oproept wat angst is en wat het met je doet. En ook waarom bepaalde scènes zo goed werken, zoals Liv Tyler die in The Strangers vastzit in een huis en lastiggevallen wordt door onbekend kwaad.

Fear Itself veroorzaakt een vreemd soort sensatie van samensmelting van soundtrack, beelden en voice-over in een dromerige, angstige en schimmige wereld. Het maakt nieuwsgierig naar vergeten films als Let’s Scare Jessica to Death (1971), waarin een enkele foto kippenvel veroorzaakt op je armen. Of The Exorcist III, waarin een scène in een mortuarium laat zien dat niets op kan tegen het kwaad. En dan nog de fantastische bioscoopscène in A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master, waarin je de dreiging letterlijk in je bioscoopstoel voelt. Fear Itself is niet een hele opzienbarende of vernieuwende documentaire, maar doet wel de vraag rijzen hoe het werkt met angst in films en de gekozen fragmenten sluiten daar perfect op aan.

Endorphine

Niets is wat het lijkt
In het Canadese Endorphine is niets wat het lijkt. Regisseur André Turpin, aanwezig op het festival, raadt aan om de film te ondergaan als een droom en niet teveel te zoeken naar antwoorden of verklaringen. Endorphine begint sterk met een meisje op een afgelegen terrein, waar alles verandert als zij stappen voor- of achterwaarts zet. Lichten springen aan, een bus met passagiers neemt een andere positie in.

Dan over naar het verhaal: de twaalfjarige Simone is getuige van de gewelddadige moord op haar moeder. Tegelijkertijd geeft zestiger Simone een lezing, waarin (toeval of niet?) de beelden van de moord geprojecteerd staan op een groot scherm. En twintiger Simone werkt in de garage waarin de moeder vermoord is. Heden, verleden en toekomst vervloeien met elkaar, evenals de hoofdpersoon Simone in de vorm van drie generaties. De twaalfjarige- en twintigjarige Simone lijken dusdanig op elkaar dat je als kijker even verward raakt – wie is nou wie? Is het wel dezelfde persoon? Of speelt de regisseur met manipulatie van de werkelijkheid en onze zintuigen?

Endorphine is prachtig geschoten – je verwacht ook niet anders van Turpin die ook verantwoordelijk was voor het camerawerk van Denis Villeneuve’s Incendies en Xavier Dolans Mommy. Toch is het meer stijl boven inhoud. Met name de tweede helft zakt wat in en maakt je als kijker juist afwezig in plaats van alert. Naar verklaringen of antwoorden hoef je inderdaad niet te zoeken, want de verwarring is er na het zien van de film nog steeds. Maar die blijft niet met zo’n impact hangen als films van David Lynch (duidelijk een referentie) of het donkere, repeterende Triangle.

Green Room

Bloederig goedmakertje
Na Blue Ruin (in 2013 vertoond op het IFFR) komt Jeremy Saulnier nu met Green Room. Blue Ruin is een soort wraakfilm die flink uit de hand loopt en ook in Green Room  gaat het mis. We volgen punkband The Ain’t Rights, die het niet bepaald makkelijk heeft. Na een afgeblazen concert spelen ze zowat voor nop in een Mexicaans restaurant. Dat je daar pissig van wordt is niet gek, dus biedt hun bemiddelaar hen een goedmakertje aan. En zo gebeurt het dat het viertal afreist naar de bossen van Oregon en in een louche tent met neonazi’s belandt. Ze treden op, maar je voelt de dreiging direct. De agressie is alom aanwezig. En dan gaat alles mis wat er maar mis kan gaan en mondt het goedmakertje uit in een ijzingwekkend bloedbad.

Zonder teveel te vertellen – ga de film zien! – lukt het Saulnier een beklemmende, opbouwende spanning neer te zetten. Waarin er ook ruimte is voor onverwachte momenten, die de kijker een waar “what the fuck!”-moment geven. Waar Blue Ruin met name met de tweede helft inlevert met een te traag tempo, zitten we nu tot het einde op het puntje van onze stoel. Knap, want de film speelt zich vooral in één ruimte af. Als extraatje komt Patrick Stewart als ijzingwekkende bendeleider voorbij. Een film voor liefhebbers van geweld en bloedvergieten, maar dan wel met een rauw en donker randje.

 

4 februari 2016

 

VERSLAG IFFR 2016 Deel 1

VERSLAG IFFR 2016 Deel 2

VERSLAG IFFR 2016 Deel 4

VERSLAG IFFR 2016 Deel 5 (slot)

 

Jheronimus Bosch, Touched by the Devil

***

recensie  Jheronimus Bosch – Touched by the Devil

Oog in oog met duivels mooi werk

door Suzan Groothuis

2016 is het jaar van Jheronimus Bosch. Het is 500 jaar geleden dat de beroemde Brabantse schilder overleed. Reden voor zijn geboortestad Den Bosch om feest te vieren: ‘Jheronimus Bosch. Visioenen van een Genie’ in het Noordbrabants Museum trapt af met de grootste overzichtstentoonstelling van Bosch ooit. Documentairemaker Pieter van Huystee volgde de voorbereidingen rondom die tentoonstelling en laat de werken van Bosch in zijn Touched by the Devil dicht tot de kijker komen.

In Jheronimus Bosch, Touched by the Devil volgen we een team van vijf Nederlandse kunsthistorische onderzoekers. In de aanloop naar de tentoonstelling in Den Bosch trekt het team eropuit om de geheimen van Bosch’ schilderijen te ontrafelen. Zoals een van hen opmerkt: “Ik weet wel zeker dat we nieuwe dingen zullen zien, omdat Bosch nou bij uitstek een schilder is van heel veel kleine details”. 

Jheronimus Bosch - Touched  by the Devil

Concurrentie
Hun onderzoek, zoals met speciale infraroodcamera’s zoeken naar de tekeningen onder de verf, moet meer vertellen over de intenties van Bosch. Maar ook of de schilderijen daadwerkelijk van Bosch afkomstig zijn of van zijn leerlingen en volgers. Op en neer pendelend tussen Den Bosch, Madrid en Venetië onderwerpt het team Bosch’ werken aan een uitvoerige inspectie.

Dat niet iedereen welwillend is om mee te werken blijkt uit een fragment in het Prado in Madrid, waar curator Pilar Silva eventjes haarfijn laat weten dat zij over de meeste schilderijen van Bosch (liefkozend “El Bosco” genoemd) beschikken en Nederland niet. Kortom, de keuze wat wel en niet uitgeleend wordt aan Den Bosch is aan hen. Een stukje eigenbelang, want ook het Prado organiseert dit jaar een expositie over Bosch.

Veel hel, maar een klein beetje hemel
Jheronimus Bosch, Touched by the Devil is een rijke documentaire waarin de filmmaker zoveel mogelijk wil laten zien van ‘Jeroen’ Bosch. In het kader van de tentoonstelling in Den Bosch, dat wel, maar tegelijkertijd staat de vraag centraal welke schilderijen daadwerkelijk aan Jheronimus Bosch kunnen worden toegeschreven. Zo leren we van een Duitse wetenschapper, die de jaarringen in het hout van de panelen onderzoekt, dat veel van zijn schilderijen later (pas na zijn dood) gemaakt zijn. En ook het Nederlandse team komt tot conclusies of de onderzochte schilderijen wel of geen echte Bosch zijn.

Van Huystee verspringt met zijn documentaire van technisch en zakelijk naar de daadwerkelijke schoonheid van de werken. Een rijk geïllustreerd drieluik als De Hooiwagen bijvoorbeeld (waarover de onderhandelingen met het Prado niet bepaald soepeltjes verlopen), waarvan de kleinste details nauwgezet zijn vastgelegd door de camera. Voor de kijker zijn de in beeld gebrachte meesterwerken van Bosch dan ook de grootste traktatie: nimmer hebben we zo met onze neus op zijn schilderijen gezeten en zijn we getuige van zijn rijke bizarre surreële wereld. Waarin, zo leren we ook, er vooral veel hel is en maar een klein beetje hemel.

Jheronimus Bosch - Touched  by the Devil

Maar wie was Bosch?
Toch voelt deze documentaire van Van Huystee (bekend als gerenommeerd producent van Nederlandse documentaires) wat vluchtig en gefragmenteerd aan. Er zijn teveel verhaallijntjes en echt spannend of onthullend wordt het niet. Daarbij blijft de grootste vraag “wie was Bosch en wat dreef hem tot het samenstellen van zijn gruwelijke, surreële en fantasierijke wereld?” onbeantwoord. Er is weinig over de middeleeuwse schilder bekend en dat blijft zo met Jheronimus Bosch, Touched by the Devil.

Wat vooral blijft hangen zijn die prachtige beelden van Bosch, waarvan je na afloop wel meer had willen zien. Op naar Den Bosch, met wie weet nog een uitstapje Boijmans en Prado. Zijn de concurrenten ook weer blij.

De overzichtstentoonstelling wordt gehouden van 13 februari tot en met 8 mei 2016 in het Noordbrabants Museum in Den Bosch.

 

5 januari 2016

 

ALLE RECENSIES

Top 5 2015

Top 5 films + Miskleun van 2015

Réalité

Negen recensenten van Indebioscoop bespreken hun vijf favoriete films die dit jaar in Nederland in première gingen. Traditioneel kiest iedereen ook de Miskleun van het Jaar én een film die zij helaas misten in de bioscoop. Tot en met Oudejaarsdag lees je hier elke dag een persoonlijke terugblik op het filmjaar 2015.

SG DEEL 1: Suzan Groothuis

Met het einde van het jaar in zicht is het tijd om de balans op te maken: de top 5 beste films van 2015! Moeilijk, want het was een indrukwekkend filmjaar. Iñárritu overrompelde met het adembenemende Birdman, Amy toonde een intiem en pijnlijk inkijkje in het leven van het veels te jong overleden Britse zangtalent en Sorrentino is terug met het visueel prachtige Youth, waarin jeugd en ouderdom versmelten in een creatieve wereld van kunst, muziek en film.

Met de vele filmfestivals die ik dit jaar afgegaan ben, waren er ook onverwachte pareltjes. Het Internationaal Filmfestival Rotterdam opende voor mij met Réalité, een knotsgekke, briljante film van de Franse filmmaker en muzikant Quentin Dupieux (ofwel Mr. Oizo, van het nummer ‘Flat Beat’ met dat gekke gele poppetje dat lekker uit zijn dak gaat op de beats!).

 

5. – SON OF SAUL

Ofwel: welkom in de hel van Auschwitz. Over deze film kan ik kort zijn: ik wist na het zien ervan niet wat ik erover kon zeggen. Overmeesterd door een gevoel van ontreddering en chaos. Son Of Saul,  waarin het draait om een lid van het Sonderkommando die in een dode zijn zoontje meent te herkennen en hem een gepaste begrafenis wil geven, is een verstikkende tocht in een vernietigingskamp. Een film waarin niets expliciet getoond wordt (achtergronden zijn vaag in beeld gebracht), maar de beelden genoeg zeggen. Als een opgejaagd dier, ontheven van alle menselijkheid, poogt Saul nog gerechtigheid te vinden voor een kind dat het zijne misschien niet eens is. Een slopende kijkervaring, maar een must: de ondraaglijkheid van de Tweede Wereldoorlog is nog nooit zo dichtbij geweest.

4. – MAD MAX: FURY ROAD 

Een blockbuster mag in dit rijtje niet ontbreken en wat voor één: Mad Max: Fury Road, een film die bijna uit zijn voegen barst van de testosteron. George Miller is terug en laat zien het vak nog niet verleerd te hebben: een waardiger vervolg had hij na zijn Mad Max –films niet kunnen maken.

Als er één film is waarin je geladen, vol energie en power de zaal uitloopt dan is het George Millers Mad Max: Fury Road. Energiek, opzwepend, duister, bizar en verknipt: dat is zijn apocalyptische wereld waarin gangs, auto’s en benzine de dienst uitmaken. Mad Max komt samen met de rebelse Imperator Furiosa in opstand tegen tiran Immortal Joe (die ook in het eerste deel de bad guy speelde!) en van meet af aan zit je in de actie. De actiescènes zitten briljant in elkaar: snel, vloeiend, met strakke montage. Fury Road  is een ervaring waarbij alle strijdkrachten die je in je hebt naar boven komen. Knap staaltje cinematografie, met helden waar je u tegen zegt. Het is lang geleden na Ripley dat er weer zo’n stoere vrouwelijke held (een onverbeterlijke Charlize Theron) op het filmdoek vereeuwigd is.

3. – ALLÉLUIA

Het Imagine Filmfestival in Amsterdam bood ook wat verrassingen. Bijvoorbeeld het hysterische, beklemmende Alléluia  van Fabrice Du Welz waarin absurdisme en extreme gruwelijkheid samensmelten. En It Follows, met recht de beste horror van dit jaar en misschien zelfs wel van de laatste jaren.

Alléluia  laat zich inspireren door het Amerikaanse moordende koppel Raymond Fernandez en Martha Beck. Cultfilm The Honeymoon Killers  (1969) verbeeldde eerder de daden van het verknipte koppel. Regisseur Fabrice Du Welz kennen we van Calvaire  en Vinyan, films die zich kenmerken door een duistere sfeer, absurdisme en extreem geweld. In Alléluia  is dat niet anders: de film balanceert op het randje van geloofwaardigheid en over de top, maar springt nergens uit de bocht. Laurent Lucas, vaste acteur van Du Welz, en Lola Dueñas (Volver, Yo, También ) zijn goed op elkaar ingespeeld als gestoord koppel, waarbij beiden steeds meer de realiteit uit het oog verliezen. Daarbij weet Du Welz te verrassen met gitzwarte humor,  bizarre wendingen en de nodige bloederige momenten.

2. – IT FOLLOWS

It Follows  is een tienerhorror die doet denken aan het vroege werk van John Carpenter en het eerste deel van A Nightmare on Elmstreet. In David Robert Mitchells film is het gevaar een onbestemd wezen dat verschillende vormen kan aannemen. Het kan zomaar je beste vriendin of je moeder zijn. Maar er zijn twee herkenningspunten: het loopt altijd recht op je af en niemand anders dan jij kan het zien. Mitchell geeft een eigen draai aan het tienerhorrorgenre door creatief om te springen met tienerseks, een onbestemd tijdsbeeld en diep gegronde angst. Met zijn nare, creepy sfeer en de weidse shots die op subtiele wijze mogelijk dreigend gevaar in de verte tonen ben je als kijker constant op je hoede. Ook na het zien van deze film ben je geneigd over je schouder te kijken of je niet gevolgd wordt.

1. – RÉALITÉ

Réalité  is niet voor één gat te vangen. We volgen verschillende personages, zoals het meisje Reality dat (het liefst slapend) gefilmd wordt door een cameraploeg. Dan is er Denis, presentator van een kookprogramma, die steevast rondloopt in een muizenpak dat hem onverklaarbare jeuk geeft. En cameraman Jason, die een briljant idee heeft voor een horrorfilmscript. Wanneer Reality in de ingewanden van een everzwijn een videoband vindt, verweven deze levens zich langzaamaan met elkaar. Quentin Dupieux doet dat op geniale wijze: zijn Réalité  verwordt tot een surreëel, absurd geheel waarin dromen, realiteit, verlangens en tijd door elkaar heen lopen. Hij slaagt er in om het onlogische logisch te maken en levert bovendien een van de grappigste films van de laatste jaren af.

The Taking of Deborah Logan

Miskleun van 2015:

THE TAKING OF DEBORAH LOGAN

En de miskleun van het jaar? Die gaat naar The Taking of Deborah Logan, de zoveelste horror die inhaakt op bezetenheid door de duivel. De film poogt origineel te zijn door dementie als uitgangspunt te nemen. Het draait om Deborah Logan, een vrouw in een beginnend stadium van Alzheimer. Een kans voor een groepje studenten om haar fysieke en mentale degradatie op beeld vast te leggen. Maar dan blijkt er iets anders aan de hand… In found footage-stijl loodst de filmmaker de kijker door een voorspelbare reeks gebeurtenissen inclusief vergezocht plot, waarbij hij er maar niet in slaagt om spanning of angst in te boezemen. Wanneer je Deborah voor de zoveelste keer stilletjes, met haar rug naar de kijker toe, in haar nachtpon in het donker ziet staan hoop je alleen maar dat de film heel snel afgelopen is.

Turbo Kid

Gemist in de bios in 2015:

TURBO KID

Op het Imagine Filmfestival draaiden veel films die de bioscoop niet gehaald hebben. Turbo Kid  (van regisseurs François Simard, Anouk Whissell en Yoann-Karl Whissell) is een gemiste kans: wat een film! Met een hoog eighties-actie gehalte (denk aan Mad Max met een junior op een BMX in de hoofdrol!), waarin een apocalyptische wereld gered moet worden van een wreedaard (eindelijk weer een rol van Michael Ironside, die we nog kennen uit Scanners ). Verwacht lekker over de top acteerwerk, veel gruwelijke bloedfonteinen en fantastische one-liners.

23 december 2015

 

 

Alle terugblikken op 2015 (klik op de naam):
Suzan Groothuis
Alfred Bos
Ashar Medina
Bob van der Sterre
George Vermij
Wouter Spillebeen
Nanda Aris
Ralph Evers
Cor Oliemeulen

IDFA 2015 – Deel 4

Deel 4: De kracht van muziek

door Suzan Groothuis

Hoe traditionele Pakistaanse muziek een verbintenis aangaat met jazz, we een inkijkje krijgen in het leven en de carrière van Neerlands trots Boudewijn de Groot, Janis Joplin ons terugvoert naar de ‘60s en de eigengereide Hot Sugar de invloed van omgevingsgeluid op zijn muziek laat zien. 

Lahore was ooit een bloeiend muzikaal mekka voor traditionele Pakistaanse muziek. Maar na de intrede van het streng-islamitisch regime in de jaren 70 was het voorbij. Gelukkig zijn er nog muzikanten hun muziek trouw gebleven, maar anno nu is de vraag of er überhaupt nog publiek voor is.

Song of Lahore

Passie voor tradities
Pakistaanse pop overheerst en daarbij is het lastig om aan traditionele instrumenten te komen. Waar vind je nog een fluitenmaker? Toch geven de leden van het kleine orkest niet op en bedenken ze in hun speciaal opgerichte studio Sachel hoe ze een breder publiek kunnen aanboren. Studiobaas Izzat Majid lijkt het antwoord gevonden te hebben: met hun traditionele instrumenten jazz een nieuw leven inblazen! En zo geschiedde een geheel eigen draai aan Dave Brubecks Take Five. Hier de bijzondere uitvoering van deze jazzklassieker.

Hun opname belandt op YouTube en wordt opgepikt door vooraanstaand jazzmusicus Wynton Marsalis in de Verenigde Staten. Het orkest krijgt een uitnodiging om op te treden in het Jazz at Lincoln Center in New York. Nauwgezet zijn de repetities voorafgaand aan de grote avond in beeld gebracht, wat de vraag oproept of het Pakistaanse orkest wel klaar is voor deze stap. De documentaire houdt de kijker tot aan het zenuwslopende concert in de greep. Mooi is ook de passie van de verschillende muzikanten, die allemaal zo hun eigen redenen hebben om hun muziek in stand te houden en over te brengen. Song of Lahore van Andy Schocken en Sharmeen Obaid-Chinoy is zo’n pareltje waarbij je met een warm gevoel en een nieuwe muzikale ontdekking de zaal uitloopt.

Boudewijn de Groot - Come Closer

Een blik op Boudewijn
Een film maken over de Nederlandse muzikant Boudewijn de Groot is geen gemakkelijke opgave. De zanger, die in 1966 debuteerde met zijn gelijknamige album, is namelijk een gesloten boek. Zoon Jim zegt het ad rem aan het begin van de film: Om Boudewijn te leren kennen, kan je beter geen film over Boudewijn maken. Toch lukt het documentairemaker Suzanne Raes om een mooi portret van de man neer te zetten. Niet door op Boudewijn zelf te focussen, maar op zijn drie kinderen en zijn vrienden.

In Boudewijn de Groot – Come Closer zien we in chronologische volgorde hoe zijn carrière vorm kreeg. Samen met tekstschrijver Lennaert Nijgh maakte Boudewijn de Groot zijn eerste platen, waar hits als ‘Welterusten, meneer de president’ en ‘Het Land van Maas en Waal’ uit voortkwamen. Met ‘Welterusten, meneer de president’ kreeg De Groot de reputatie van protestzanger, al stond hij daar zelf ambivalent tegenover.

Hoewel ze vrienden blijven, gaan Nijgh en De Groot beroepsmatig een tijdje uit elkaar, wat onder meer leidt tot een mislukt Engelstalig project van De Groot. Ondertussen zien we ook hoe het Boudewijn als familieman verging: twee huwelijken en drie kinderen verder lijkt hij zijn vrijheid in zijn muziek te willen beproeven. Omdat Jim zijn vader zo weinig zag, heeft hij een deel van zijn vaderschap via zijn vinylplaten tot hem genomen. Ook dochter Caya heeft gemengde gevoelens: “De melodieën die hij schrijft zijn zo warm en dat strookt niet altijd met de man die je ziet.”

Muzikant Henny Vrienten, die Boudewijn al jaren kent, noemt hem een goede vriend, maar of dat wederzijds is zou hij niet zo snel kunnen zeggen. Voor familie en vrienden is Boudewijn eveneens een mysterie, maar toch vervalt de documentaire niet in teveel afstand of feitjes. De Groots laatste optreden, waarin hij afscheid neemt van zijn 50-jarige carrière, en het lied ‘Kom Nader’, dat hij over zijn vader zingt, geven op subtiele en verrassende wijze meer prijs. Raes levert zo een evenwichtig portret, waarin zijn oeuvre en onpeilbare persoon mooi samenkomen.

Janis: Little Girl Blue

Muzikale verlossing
Hoe populair Janis Joplin nog steeds is blijkt wel uit de reeks uitverkochte voorstellingen van deze vertoning over haar leven en haar muziek. Janis: Little Girl Blue is een conventionele, maar degelijke documentaire over de opkomst en ondergang van de blueslegende. Joplin, opgegroeid in het conservatieve Port Arthur (Texas), liet al op jonge leeftijd zien een outsider te zijn. Zo wordt ze ook omschreven door talking heads als familie en vrienden. In muziek vond ze uiteindelijk haar uitlaatklep, geïnspireerd door blueszangeressen als Bessie Smith. Joplin vertrok uit haar geboortestad, om in San Francisco naam te maken met de psychedelische band Big Brother & The Holding Company.

Via archiefbeelden, interviews en brieven die Joplin aan haar familie schreef (mooi verwoord door zangeres Cat Power) zien we hoe zij uitgroeit tot excessief podiumbeest. Maar ook de keerzijde van de roem wordt getoond: Janis’ immense onzekerheid en gevoeligheid tonen een kwetsbaar persoon die de druk naarmate zij meer succesvol werd niet aankon. Dit leidde in 1970 tot haar dood ten gevolge van een heroïne-overdosis. Natuurlijk weet je als kijker hoe het afloopt, maar Little Girl Blue laat niet onberoerd door te focussen op de pure, eerlijke persoon van Joplin. En laat je achter met de vraag hoe ver ze was gekomen als ze niet tot die beroemde 27 club  behoord had.

Hot Sugar’s Cold World

Immense geluidswereld
Hot Sugar aka Nick Koenig is een artiest die zich heeft gericht op het unieke spectrum van omgevingsgeluid. Met zijn recorder legt hij alles vast wat geluid oplevert of wat geluid kan produceren. Je kan het zo gek niet bedenken: bakstenen op straat, verkeer, schedels in de tombes van Parijs en stiltes van kamers. Ieder geluid klinkt anders, zo leren we van Nick, die iedere dag weer een uitdaging zoekt om nieuwe geluiden op te nemen. Wat hij vastlegt, tovert hij om in zijn minimale, trippy tracks.

Van de persoon Nick Koenig komen we in de documentaire Hot Sugar’s Cold World van Adam Bhala Lough weinig te weten, buiten dat hij een wat wazig figuur is. Dag in dag uit loopt hij met zijn recorder rond om geluiden te vangen. We zien wel hoe de relatie met zijn vriendin Kitty – ook actief in de muziekwereld – strandt, wat verder niet van grote impact lijkt op de man en zijn kunsten. Een wat afstandelijk, doch boeiend portret van iemand die gedreven en geïnspireerd geluiden onderzoekt, interpreteert en tot een muzikaal kunstwerkje maakt. Wacht maar af, de nieuwste ontdekking van de toonaangevende muzieksite Pitchfork?

 

29 november 2015

 

DEEL 1: De kleurrijke werkelijkheid van Errol Morris

DEEL 2: Mensen die hun nek uitsteken

DEEL 3: Pijnpunten, moed en humor als wapen

DEEL 5: Van zwarte panters tot huiveringwekkende nachtmerries 

DEEL 6: Het goede voorbeeld en Hollands leedvermaak

IDFA 2015 – Deel 3

Deel 3: Pijnpunten, moed en humor als wapen

door Suzan Groothuis

In dit derde deel aandacht voor de moeizame verhoudingen in een familie, een Afghaans meisje dat vecht voor haar idealen en een comédienne die grapt over borstkanker.

In zijn documentaire A Family Affair laat Tom Fassaert een stukje familiegeschiedenis zien. Het draait om zijn oma Marianne Hertz, met haar 95 jaar oud nog steeds een prachtige vrouw om te zien. Ze is model geweest en heeft drie kinderen, maar het contact met hen is moeizaam of verbroken.

A Family Affair

Ontrafeling van familiegeheimen
Zijn vader wilde een boek over haar schrijven, een boek dat nooit tot stand kwam. De relatie bleek zo complex dat hij besloot het contact te verbreken. En dan nodigt Marianne kleinzoon Tom uit om naar Zuid-Afrika te komen, het land waar ze lang geleden naartoe is gegaan om haar vrijheid te vinden. Haar kinderen achter zich latend.

Er zit een doel achter de uitnodiging, ofwel zoals Toms vader omschrijft een manipulatie. Pas op voor je oma, waarschuwt hij, want voor je het weet heeft ze je voor haar karretje gespannen. Er is een metafoor met een schaakbord: Marianne kan je het gevoel geven dat je een koning bent, maar dan degradeer je en veegt ze je zo als een pion van het bord af.

Het doel van Mariannes uitnodiging is snel duidelijk: Tom moet haar vergezellen naar Nederland. Marianne noemt het een afscheid van haar kinderen. Zij zoeken haar niet op, dus zal Marianne nog eenmaal de reis naar Nederland maken. Ze weet wat ze kan verwachten, want het contact knaagt.

Terwijl ze zich voorbereiden voor de reis, probeert Tom te achterhalen wat er gebeurd is waardoor de verhoudingen zo gespannen zijn. Waarom iedereen een masker ophoudt. En bovenal waarom het zo’n pijn doet. A Family Affair bevat alle ingrediënten voor een goede documentaire: onvoorspelbaarheid, spanning, humor en tragiek. Het is gemakkelijk als kijker om Marianne af te doen als een egocentrische vrouw die haar kinderen in de steek heeft gelaten, maar ook zij draagt verdriet met zich mee. Dat wordt duidelijk in een ontroerende scène waarin zij zich eenmalig openstelt. Hoe onpeilbaar de vrouw is blijkt later weer als zij een familiefoto, een cadeau van Tom, weigert aan te nemen.

Een prachtig portret van een gebroken familie dat net genoeg waarheid naar boven haalt om de pijnpunten te kunnen plaatsen en begrijpen.

IDFA 2015 Sonita

Als Michael Jackson en Rihanna je ouders waren
Sonita is een meisje van achttien en droomt van een carrière als rapper. Maar Sonita is ook een meisje dat gevlucht is uit Afghanistan en in Teheran, Iran in een opvanghuis voor tieners verblijft. Haar oudere zus en nichtje zijn de enige familieleden die ook in Iran wonen en kunnen met moeite de huur voor hun appartement betalen. Sonita’s ouders zitten in Afghanistan en maken zich meer druk om de bruidsschat voor hun zoon dan de toekomst van hun dochter in Iran.

Terug naar haar dromen. Als Sonita het voor het zeggen had, was ze geboren in Amerika en was ze de dochter van Michael Jackson en Rihanna. Want hoe cool klinkt Jackson als achternaam! Als kijker ontdek je al snel dat Sonita persistent is in het nastreven van een rapcarrière. Samen met een vriend struint ze producer na producer af om hun nummer op te nemen. Maar ook dat blijkt niet zo makkelijk, want in Iran mogen vrouwen helemaal niet zingen. En daar komt bij dat Sonita’s moeder haar dwingt terug te komen naar Afghanistan om zich te laten uithuwelijken. Van dat geld kan haar broer namelijk zijn bruidsschat betalen. Hoezo omgekeerde rollen?

Sonita is een persoonlijk portret van een meisje dat niet zomaar opgeeft. Hoewel er meerdere tegenslagen op haar pad komen, vecht ze zich uit haar problemen en volgen we haar in het verwezenlijken van haar dromen. Bijgestaan door regisseuse Roksareh Ghaem Maghami krijgt Sonita het uiteindelijk voor elkaar om in Amerika een scholarship te volgen. Maar daarvoor moet ze wel eerst haar papieren regelen in Kabul en de confrontatie met haar familie aangaan.

De film Sonita blijft dichtbij de persoon Sonita staan, maar toont intussen nauwgezet de problemen rondom vrouwenrechten, uithuwelijking en aanslagen. Terwijl Sonita vanuit haar hotelkamer in Kabul over de stad uitkijkt, vliegen helikopters over en weer na een zelfmoordaanslag in een theater. Je voelt de link met de recente aanslagen in Parijs. De documentaire laat uiteindelijk zien dat kracht en geloof in jezelf je verder op weg kunnen helpen – en daarmee ook anderen. Sonita, die aanwezig was op het IDFA en een indrukwekkende rapsolo weggaf (een inspiratievolle aanklacht tegen uithuwelijking) vecht namelijk niet alleen voor haar eigen belangen, maar hoopt een weg te openen voor al die meisjes voor wie uithuwelijking het enige toekomstperspectief is.

Tig

Platte tieten
Tig is de artiestennaam van Mathilde Notaro. Een talent in de comedy-wereld, dat definitief naam maakte met haar show over borstkanker. Hoe dat zo kwam zien we in Tig, een documentaire gewijd aan deze jongensachtige verschijning die met haar droge, gevatte humor Amerika veroverde.

Wat Tig zo uniek maakt? Haar gave om het ongemakkelijke om te zetten in humor. Ze schroomt daarbij niet zichzelf op de hak te nemen. Wanneer Tig in haar leven te maken krijgt met tegenslagen- een levensbedreigend virus, het overlijden van haar moeder en als kers op de taart borstkanker – blijft zij overeind staan. Sterker nog, Tig gebruikt haar wapen – humor – in de strijd tegen al die narigheid. Op aanraden van een collega besluit ze haar leed te delen met het publiek, op zo’n manier dat het iedereen aan het lachen brengt en de pijn wat gemakkelijker te dragen is.

Over haar borsten, die ze moest laten verwijderen, zegt Tig bijvoorbeeld dat die definitief hebben afgerekend met haar “flat chested body”. In de loop der tijd moeten ze Tigs grappen daarover gehoord hebben en waren ze het zat (“you know what, we’re sick of this, let’s kill her!”). De show wordt een succes en Tig is niet meer van het podium weg te denken.

De documentaire van Kristina Goolsby volgt Tig in de aanloop naar het eenjarige bestaan van de “breast cancer” show. Ondertussen zien we hoe zij worstelt in de liefde en er een kinderwens woedt.

De eerste helft is het vooral vanwege de vele scènes of geluidsopnamen uit shows genieten; gaandeweg volgt de film het conventionele pad naar meer geluk en voorspoed. De scherpe randjes zijn er af, ook dankzij de irritante muzikale deuntjes die regelmatig de kop opsteken. En een scène waarin Tig en haar liefde Stephanie tezamen in een koets getrokken door paarden hun liefde bezegelen dikt de “finally happy together” wel heel nadrukkelijk aan. Sterke kracht is natuurlijk Tig Notaro zelf, want waar tref je iemand met zo’n uniek gevoel voor humor en uitzonderlijk optimisme? Als kijker gun je haar het beste en dan neem je die koets en die nietszeggende muzikale intermezzo’s maar op de koop toe.

 

27 november 2015

 

DEEL 1: De kleurrijke werkelijkheid van Errol Morris

DEEL 2: Mensen die hun nek uitsteken 

DEEL 4: De kracht van muziek

DEEL 5: Van zwarte panters tot huiveringwekkende nachtmerries 

DEEL 6: Het goede voorbeeld en Hollands leedvermaak

Virgin Mountain

****

recensie  Virgin Mountain

Tanks en linedance

door Suzan Groothuis

Een heerlijke tragikomedie over een veertiger die nog bij zijn moeder woont, totdat het tijd wordt zijn vleugels uit te slaan.

Fúsi is drieënveertig jaar en woont nog steeds bij zijn moeder. Hij vult zijn dagen met zijn werk als bagageruimer bij een vliegveld, zijn vaste etentje bij een Thais restaurant op de vrijdag en zijn passie voor de Tweede Wereldoorlog. De slag om El Alamein staat in miniatuur uitgestald op tafel. Wanneer de vriend van zijn moeder nieuwsgierig een van zijn soldaatjes oppakt wijst Fúsi hem de deur. Wegwezen, dit is zijn territorium!

Virgin Mountain

Een gezonde situatie is het natuurlijk niet, op je drieënveertigste nog thuis wonen onder de beschermende vleugels van je moeder. Fúsi is dan ook net een groot klein kind. Melk en chocopops vormen zijn vaste ontbijtritueel en zijn moeder zorgt voor het avondeten en de was. Zijn buren vinden hem maar een rare snuiter, maar zijn jonge buurmeisje Hera mag Fúsi wel. Samen spelen ze met barbies, maar als het aan Fúsi ligt liever oorlogje.

Je moeder betrappen op seks
De film trapt af als droge komedie, waarin we met ongemakkelijke situaties te maken krijgen zoals Fúsi die zijn moeder betrapt als ze seks heeft. Maar Virgin Mountain (een verwijzing naar het enorme gewicht dat Fúsi met zich meedraagt) laat subtiel ook de tragiek zien in het leven van deze kolossale metal dude met een warm karakter. Ondanks zijn voorkomen is Fúsi een eenzame, onzekere man. Met zijn uiterlijk roept hij veel plagerijen op, zoals collega’s die hem pesten op het werk. En in de liefde heeft Fúsi ook al geen succes.

De omslag vindt plaats wanneer Fúsi jarig is en van moeder en haar vriend een cursus linedance cadeau krijgt. Wat, linedance voor iemand die van metal houdt? En zo gebeurt het, onder zichtbare tegenzin, dat Fúsi (gehesen in zwart pak met cowboyhoed!) op de cursus de open Sjöfn ontmoet. Er ontstaat een vriendschap en Fúsi besluit zijn leven een andere wending te geven.

Virgin Mountain

Coming of age van een veertiger
Het tweede deel van Virgin Mountain zou je een coming of age kunnen noemen, maar dan met een veertiger in de hoofdrol die zijn vleugels uitslaat. Niet dat Fúsi in zijn karakter veel verandert – hij blijft een goedhartige metal dude, al wil hij voor Sjöfn wel Dolly Parton aanvragen bij zijn favoriete radiozender. Door wat onvoorziene gebeurtenissen ontpopt Fúsi zich als iemand met een gouden hart, die er voor de ander is maar ook trouw blijft aan zichzelf. Gunnar Jónsson zet zijn rol van de introverte Fúsi prachtig neer – een man van weinig woorden die op subtiele wijze laat zien oog te hebben voor zijn medemens.

De IJslandse regisseur Dagur Kári is geen nieuwkomer: hij debuteerde met het goed ontvangen Noi The Albino (2003) en kwam in 2009 met The Good Heart (met acteurs Paul Dano en Brian Cox), films waarin de thematiek van buitenstaander ook terugkomt. Met Virgin Mountain zou Kári wel eens meer zieltjes kunnen winnen. De film balanceert perfect tussen die typische noordelijke droge humor en ontroerend drama en beschikt over een hoofdpersoon van wie je als kijker gaat houden.

 

16 november 2015

 
ALLE RECENSIES